10/07/2026
LOS RETABLOS DEL SANTUARIO DE NUESTRA SEÑORA DE LORETO (HUESCA)
I. CONTEXTO: EL YESO Y LA DECORACIÓN DEL SIGLO XVIII EN EL ALTO ARAGÓN
En la decoración de interiores de la segunda mitad del siglo XVIII en el Alto Aragón, el uso del yeso (o estuco) fue una solución artística de primer orden. Lejos de ser un recurso de fortuna, se empleaba para emular materiales costosos como el mármol, permitiendo un modelado mucho más dinámico y detallado.
En el contexto del Santuario de Loreto (reconstruido entre 1748 y 1777), el uso del yeso responde a la estética del tardobarroco y el neoclasicismo académico. Maestros yeseros de Huesca, influenciados por las corrientes de Zaragoza y Madrid, elevaron este material a una categoría monumental.
● Técnica y Contraste: La maleabilidad del material permitió a escultores como Juan Antonio Torres trabajar con libertad absoluta el movimiento de las telas y la delicadeza de los ángeles. El estuco blanco se combinaba con marcos de falsos jaspes (trampantojo) para resaltar la "pureza" de las figuras frente a la riqueza material del mundo. Al ser materiales incombustibles anclados a la fábrica del edificio, estos relieves sobrevivieron a los incendios de la Guerra Civil, siendo hoy los únicos testigos originales del diseño de Torres.
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II. EL CICLO ICONOGRÁFICO DE LAS CAPILLAS LATERALES
1. San Juan de Sahagún: El "Pacificador de Salamanca"
Representa a una de las figuras más queridas de los Agustinos Calzados (quienes custodiaron el lugar durante más de 200 años).
Aunque nació en Sahagún (León), su vida está indisolublemente ligada a Salamanca. En el siglo XV, la ciudad estaba desangrada por las guerras entre bandos nobiliarios. San Juan se hizo famoso por su valentía al predicar, denunciando desde el púlpito las injusticias de los poderosos, lo que le costó varios intentos de as*****to (se dice que incluso intentaron envenenarlo).
Sus milagros más famosos en Salamanca
El santo "está" en sus calles a través de sus leyendas más populares:
● El Milagro del Pozo Amarillo: Un niño cayó a un pozo profundo y el santo, al ver que no llegaba con su cíngulo, hizo que el nivel del agua subiera milagrosamente hasta que el niño pudo ser rescatado con sus propias manos.
● "¡Tente, necio!": Se cuenta que detuvo a un toro bravo que se había escapado y sembraba el pánico en una calle (hoy llamada calle Tentenecio) simplemente con esas palabras y un gesto de autoridad.
Iconografía y Eucaristía
Como bien se observa en el relieve de Loreto, su atributo principal es el cáliz con la hostia radiante. Esto se debe a que, durante la misa, se quedaba tan absorto en la contemplación de la presencia real de Cristo que las celebraciones se alargaban horas. En el arte, esto se traduce en la levitación o el éxtasis, capturando ese momento en que el santo ya no pertenece al mundo terrenal, una pauta que Juan Antonio Torres aplicó magistralmente en Huesca.
● Iconografía y Milagro: Se le representa con el hábito agustino. Destaca su faceta eucarística: el ángel superior sostiene el cáliz con la Sagrada Forma, aludiendo a sus visiones místicas donde veía a Cristo en la hostia. Su gesto evoca también su poder pacificador y el famoso milagro del "¡Tente, necio!".
Centrándonos en el protagonista de este relieve en mármol, San Juan de Sahagún, su posición es de éxtasis eucarístico:
● Elevación Mística: Aparece representado sobre una nube que lo separa del suelo, simbolizando un momento de levitación espiritual, algo que se le atribuía con frecuencia durante sus oraciones.
● Enfoque en la Visión: Su cuerpo y su mirada están proyectados hacia el cáliz y la hostia sostenidos por ángeles en la parte superior izquierda. Esta posición captura el instante del milagro de la presencia real de Cristo que el santo experimentaba en la misa.
● Apertura y Asombro: La posición de sus brazos, abiertos hacia afuera y con las palmas extendidas, transmite una mezcla de entrega absoluta y profunda sorpresa ante la divinidad que contempla.
● Composición: La "rocalla desbordante" y el dinamismo de las nubes elevan al santo en un relieve escultórico donde algunas formas flotan fuera del marco.
2. Traslación de la Santa Casa: El Corazón Fundacional
Este relieve justifica la advocación del templo y es puramente fundacional.
La advocación de la Virgen de Loreto en Huesca es un caso singular donde la tradición local y la historia universal se entrelazan de forma curiosa.
Existen varias teorías y evidencias sobre cómo este lugar se convirtió en el santuario que permanece hoy:
1. La Teoría del Topónimo Prerromano
La constancia documental más antigua de Loreto en Huesca data de septiembre de 1101, pero el nombre parece ser mucho más antiguo. Una de las teorías sostiene que el término "Loreto" no proviene de la ciudad italiana, sino de una raíz prerromana o vascona similar al término para "laurel". Bajo esta hipótesis, el nombre de San Lorenzo (patrón de la ciudad) estaría etimológicamente ligado al lugar de su nacimiento, que más tarde se latinizaría como Lauret, Loret o Loreto.
2. La Tradición de la Cuna de San Lorenzo
Esta es la base histórica más fuerte para los oscenses. Según la tradición, en este emplazamiento (antigua villa de Loret) nacieron en el siglo II San Lorenzo y su hermano San Orencio. Se cree que el santuario original surgió para honrar el hogar de sus padres, Santa Paciencia y San Orencio, convirtiéndose en un centro de peregrinación laurentina mucho antes de que la devoción mariana de Loreto fuera dominante.
3. La Incorporación de la Advocación Mariana
La devoción a la Virgen de Loreto (la de la Santa Casa de Nazaret) nació en Italia a finales del siglo XIII. La "convergencia" de nombres entre el Loreto italiano y el oscense facilitó que, con el tiempo, se fusionaran ambas tradiciones.
● Felipe II y los Agustinos: Un punto de inflexión clave fue la decisión de Felipe II en 1575 de convertir la antigua ermita en un convento de agustinos calzados. Los agustinos fueron grandes promotores de la advocación de Loreto, lo que terminó por consolidar la figura de la Virgen de la Santa Casa como titular del templo, integrándola en el riquísimo programa iconográfico del templo.
4. La Hipótesis de la "Réplica" de la Santa Casa
Al igual que ocurrió en otros lugares del mundo (como en México o Baja California impulsado por los jesuitas), existe la teoría de que el santuario oscense buscó en sus reconstrucciones del siglo XVIII imitar o evocar la Santa Casa de Loreto, aprovechando que ya existía una tradición de "casa sagrada" (la de San Lorenzo) en ese mismo lugar.
En resumen, la Virgen de Loreto en Huesca es el resultado de una superposición de capas: un antiguo lugar sagrado ligado al nacimiento de San Lorenzo que, por coincidencia de nombre y el impulso de la monarquía y los agustinos, acabó adoptando la famosa advocación mariana italiana.
En cuanto al retablo, vayamos a su fisonomía:
● El Milagro: Representa el traslado de la Casa de Nazaret por los ángeles. La Virgen aparece con el Niño sentada sobre el tejado (la casa como su trono) y luce la triple corona, símbolo de su soberanía sobre cielo, tierra y mar.
● Policromía Única: Presenta un tratamiento de color descriptivo excepcional: tonos azulados para el mar Mediterráneo con pequeñas embarcaciones al fondo y un tono de teja realista para la casa, otorgándole una jerarquía superior en el conjunto.
En este relieve del Santuario de Loreto en Huesca, la expresión de la Virgen María destaca por su serenidad y majestad protectora, rasgos que Juan AntonioTorres enfatizó para transmitir el carácter milagroso de la escena.
Lo más reseñable de su expresión y actitud es:
● Sosegada y Maternal: A diferencia de las representaciones de dolor (como la Piedad), aquí la Virgen muestra un rostro tranquilo y benevolente. Su mirada es frontal y directa, transmitiendo una sensación de seguridad y paz mientras sostiene al Niño.
● Majestad Coronada: Su expresión se ve realzada por la corona que porta, lo que subraya su papel como Reina de los Cielos en el momento de presidir el traslado milagroso de la Santa Casa por los ángeles.
● Conexión con el Niño: Existe una armonía gestual entre ambos. La expresión del Niño Jesús suele ser igualmente calmada, reforzando la idea de que el milagro que ocurre bajo ellos (la casa "volando" sobre las nubes) es un acto de voluntad divina natural y protectora.
● Enfoque Devocional: Su rostro está esculpido para inspirar confianza en el fiel. Al estar situada sobre la Santa Casa, su expresión facial se interpreta como la de quien guarda y bendice el hogar, un símbolo central de la advocación de Loreto.
3. Santa Teresa de Jesús: El Éxtasis y la Raíz Agustina
Al colocarse frente al de Nuestra Señora de Loreto, establece un diálogo de "espejos" con la Santa Casa: el viaje exterior frente al viaje interior de la mística carmelita.
● Conexión Agustina: Teresa se educó con las agustinas en Ávila y su conversión fue detonada por la lectura de las Confesiones de San Agustín.
Por ello, es muy probable que esos pergaminos que portan los ángeles del altar sobre el que está la Cruz representen los escritos de San Agustín, específicamente sus "Confesiones". Hay varias razones que sustentan esta idea:
● El momento de la conversión: Santa Teresa narra en el capítulo 9 de su Vida un momento clave frente a una imagen de "Cristo muy llagado". Justo en esa época, empezó a leer las Confesiones de San Agustín. Ella escribió: "Como comencé a leer las Confesiones, paréceme me veía yo allí".
● La mirada mística: La posición de Santa Teresa, arrodillada y conmovida frente a la Cruz que presentan los ángeles, refleja ese paralelismo que ella sintió con la conversión de Agustín. El libro no sería solo un objeto, sino el vínculo intelectual y espiritual que la ayudó a entender sus propias visiones.
● Contexto del Santuario: Al ser Loreto un convento de Agustinos, es lógico que el programa iconográfico de Juan Antonio Torres busque hermanar a la gran mística del Carmelo con el padre de la orden agustiniana. Colocar los escritos de Agustín en manos de ángeles eleva esos textos a la categoría de revelación divina para la Santa.
● Atributos de los ángeles: Los angelotes no solo sostienen la Cruz, sino que parecen custodiar ese "altar" o soporte donde reposarían los libros. En la iconografía de la época, los escritos de los Doctores de la Iglesia (como ambos lo son) se presentan con esa solemnidad.
Por tanto, más que simples documentos, serían las "Confesiones" o los tratados sobre la Trinidad, simbolizando que la sabiduría de San Agustín fue la "guía" para que Teresa pusiera palabras a sus visiones más profundas.
● Composición: Representa a la santa arrodillada frente a una cruz "viva", en referencia a sus visiones. El dosel superior la honra como Doctora de la Iglesia, destacando el tratamiento del hábito en un estuco de pliegues pesados y marcados.
Lo que más destaca de su expresión y su relación con las visiones es:
● El "Abasamiento" ante la Cruz: A diferencia del primer relieve que vimos de San Juan de Sahagún (que miraba hacia arriba en éxtasis), aquí Santa Teresa está arrodillada y ligeramente inclinada. Su expresión es de profunda humildad y recogimiento. No mira directamente a la visión, sino que parece "sentirla" internamente, con los ojos entornados o bajos.
● La Visión de la Pasión: El elemento central de su visión aquí es la Cruz. Para Santa Teresa, las visiones no eran solo "luces", sino experiencias que la unían al sufrimiento de Cristo. La presencia de los angelotes que parecen sostener o presentar la cruz subraya el carácter sobrenatural de la escena: lo que ella ve con el "ojo del alma" se materializa en el relieve.
● Manos en Oración Contemplativa: Sus manos están juntas pero no rígidas; muestran una tensión suave que indica que está en medio de un diálogo interno. En sus escritos, ella describía estas visiones como un "hablar Dios al alma", y esa actitud de escucha es lo que transmite su rostro.
Es curioso cómo Torres diferencia las "visiones": mientras la de la Virgen de Loreto es majestuosa y pública, la de Santa Teresa es personal y austera, centrada en el misterio de la Cruz.
4. Santa Mónica y San Agustín: La Victoria de la Gracia
Con los elementos que permanecen de este retablo, que se halla incompleto y del que no se tienen referencias conocidas, una posible interpretación apunta a que representa la psicomaquia (lucha entre la virtud y el pecado) y la intercesión de Mónica por la conversión de su hijo.
● La Triple Concupiscencia: Una cadena nace del Demonio (con alas de murciélago), pasa por la mano de la Mujer (tentación/lujuria) y rodea la bola del mundo. Simboliza la esclavitud a los vicios y lo material.
● El Triunfo: Santa Mónica (solo se conserva la mitad inferior) se eleva como la gran orante sobre esta esfera. El momento también podría ser el de su tránsito. En la parte superior, San Agustín (con mitra episcopal) representa el fruto de esas oraciones: el triunfo espiritual y su ascenso como pilar de la Iglesia.
Hipótesis reconstructiva del relieve de Santa Mónica
La mutilación que presenta el relieve de Santa Mónica no impide realizar una interpretación de su composición original, apoyada en la coherencia estilística de los retablos laterales diseñados por Juan Antonio Torres. Siguiendo la línea espiritual del conjunto, la obra podría interpretarse como un tránsito místico en ascenso, donde la santa vence a la gravedad y al pecado simultáneamente.
1. Verticalidad y Elevación Espiritual
Como apunta claramente la parte inferior de la figura, Santa Mónica se mantiene erguida, siguiendo el esquema de "levitación" observado en los relieves de San Juan de Sahagún y Santa Teresa. La caída de los pliegues de su hábito confirma una posición de pie, pero su despegue del plano inferior sugiere que su cuerpo ya participa de la ingravidez de los santos. Su expresión, hoy perdida, habría sido de un éxtasis sereno, con la mirada dirigida hacia lo alto en una línea diagonal de comunicación directa con lo divino.
2. Jerarquía y Recepción Celestial
La clave narrativa del relieve se encuentra en la parte superior derecha, donde San Agustín aparece ya glorificado como obispo. En este tránsito, Agustín no es un espectador, sino el intercesor que acoge a su madre en el plano celestial. Esta disposición refuerza la tesis de una "victoria espiritual": mientras Santa Mónica se eleva con dignidad y firmeza, la figura del pecado o la muerte yace derrotada bajo sus pies, acentuando el triunfo de la fe sobre la mortalidad.
3. Unidad Iconográfica del Conjunto
La reconstrucción hipotética sugiere que Torres aplicó una gramática visual unificada para todo el santuario: el uso de la nube como pedestal místico y el rostro proyectado hacia una visión superior. En este caso, el "vacío" dejado por la pérdida del busto y la cabeza de la santa enfatiza, paradójicamente, la fuerza del movimiento ascendente hacia su hijo, cerrando el círculo vital y espiritual que une a ambos protagonistas en la eternidad.
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III. EL RETABLO MAYOR: LA "MÁQUINA DE ASOMBRO" (1786)
Desaparecido el retablo mayor, el de mayor riqueza del templo, la fotografía de la Colección Viñuales de 1910 es la llave de su conservación visual. El retablo mayor original, de madera dorada (quemado en 1936), era una pieza de clasicismo académico contratada el 27 de marzo de 1786 al maestro Luis Muñoz.
1. Estructura y El Escudo de Felipe II
Articulado por cuatro grandes columnas corintias sobre materiales oscuros, el retablo actuaba como un marco de teatro que empujaba la figura de San Lorenzo hacia adelante.
● El Patronato Real: El ático estaba presidido por el escudo ovalado de Felipe II con el collar del Toisón de Oro. Esto ratifica que Loreto era un Real Patronato bajo protección de la Corona desde tiempos de este monarca. El diseño arquitectónico sobrio responde al gusto de la Real Academia de San Fernando.
● Dorado y Técnica: Se empleó pan de oro fino de 22 quilates bruñido con piedra de ágata, otorgando un brillo espectacular que contrastaba con el jaspeado de las columnas.
2. La Apoteosis y el Árbol Familiar
● San Lorenzo: En el centro, capturado en plena apoteosis vistiendo dalmática de diácono.
● San Orencio y Santa Paciencia: Flanqueando al hijo, los padres custodian la escena. Destaca San Orencio, representado como labriego con polainas típicas del Alto Aragón y una aguijada de bueyes, santificando el trabajo agrícola de la Hoya de Huesca.
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IV. LA ARMONÍA DEL CONJUNTO: EL "GESAMTKUNSTWERK"
El Santuario fue diseñado como una unidad absoluta y premeditada (Obra de Arte Total):
● Unidad de Diseño: Las curvas de los retablos de yeso laterales "rimaban" con las formas del gran retablo de madera. Aunque los materiales diferían, el estilo era el mismo, creando una armonía perfecta.
● La Arquitectura Invisible: Las columnas blancas de la nave actuaban como un túnel que obligaba a mirar solo al fondo sagrado, resaltando la teatralidad de las esculturas que parecían "flotar".
● Unidad Narrativa: Los laterales representan el esfuerzo y la fe en la tierra (el camino), mientras el Altar Mayor es el triunfo final en el cielo (la meta).
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V. CRÓNICA DE UNA SUPERVIVENCIA: EL EPISODIO DE ALMUDÉVAR
En 1856, el párroco de Almudévar solicitó el traslado del retablo a su iglesia por falta de uso en Loreto tras la Desamortización. El obispo accedió inicialmente, pero la oposición de ocho vecinos de Huesca, que advirtieron que el templo se convertiría en un "aprisco de ganado" sin su altar, logró frenar el traslado. Esta movilización popular permitió que la pieza permaneciera en su sitio original hasta 1936.
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VI. CONSIDERACIONES FINALES: VALOR ARTÍSTICO Y CONVENIENCIA DE RECUPERACIÓN
La pérdida del retablo mayor de Luis Muñoz no fue solo la destrucción de un mueble litúrgico; supuso la ruptura de una unidad estética y teológica única en el Alto Aragón. Este altar era el punto de fuga donde convergían el poder de la Corona, la mística agustina y la identidad más profunda de la ciudad de Huesca.
Desde un punto de vista artístico, la recuperación de la imagen de este altar y la consolidación de los retablos laterales es una necesidad para devolverle al templo su jerarquía. Sin el foco dorado del presbiterio, los magníficos estucos laterales quedan descontextualizados, perdiendo su función de "itinerario espiritual" que conducía al fiel hacia la gloria de San Lorenzo. La sobriedad neoclásica de Muñoz, combinada con la teatralidad de los relieves de Torres, situaba a este santuario en la vanguardia artística de su tiempo.
Desde un punto de vista sentimental, el Santuario de Loreto representa la cuna de nuestro patrón y el hogar de San Orencio y Santa Paciencia, con crecientes visitas de ámbito internacional en los últimos años. La sociedad oscense ha demostrado históricamente -como se vio en el episodio de 1856- un vínculo inquebrantable con este lugar. Por ello, la recuperación de su esplendor original no solo es un acto de justicia hacia nuestro patrimonio, sino una forma de honrar la memoria colectiva de Huesca. Devolverle al presbiterio y a los retablos laterales su presencia histórica es, en definitiva, devolverle al santuario su dignidad y su alma de Real Patronato. Un largo camino que debe culminar en la rehabilitación total.
