Club del Disco Nero

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di Roberto Zecchini «Io prendo la musica molto sul serio e questo mi impedisce di comporre qualcosa che non senta dentro...
04/11/2026

di Roberto Zecchini

«Io prendo la musica molto sul serio e questo mi impedisce di comporre qualcosa che non senta dentro molto profondamente».
Il 4 novembre 1847 moriva Felix Mendelssohn Bartholdy, a soli 38 anni. Queste sue parole ci restituiscono una persona prima ancora di un grande compositore: qualcuno per cui scrivere musica significava essere sincero, mettere in comune ciò che aveva di più intimo.
Mi pare quasi un ossimoro: il rigore del prendere sul serio e la libertà della creatività interiore. In lui si incontrano: essere rigorosi significa anzitutto essere fedeli a ciò che si sente.

Discover the Russian classics through Herbert von Karajan’s recordings.From Tchaikovsky’s symphonies, concertos and ball...
01/11/2026

Discover the Russian classics through Herbert von Karajan’s recordings.

From Tchaikovsky’s symphonies, concertos and ballet music to Rachmaninov, Borodin, Rimsky-Korsakov, Mussorgsky, Prokofiev and Shostakovich, our playlist brings together familiar favourites and works worth getting to know.

It opens with Tchaikovsky’s First Piano Concerto, recorded with Alexis Weissenberg and the Orchestre de Paris in 1970, newly remastered by Warner Classics.

Listen to “Karajan and the Russian Classics” on Apple Music:

https://music.apple.com/at/playlist/karajan-and-the-russian-classics/pl.7550983c0510402f99c2a695bd74ee59

Playlist · 17 Titel

di Gloria Lombardi 2 ottobre 1970🐄ATOM HEART MOTHER🐮è il quinto album in studio dei Pink Floyd. L'album può e deve esser...
31/10/2026

di Gloria Lombardi

2 ottobre 1970
🐄ATOM HEART MOTHER🐮

è il quinto album in studio dei Pink Floyd. L'album può e deve essere considerato come un punto di svolta nella carriera della band, ancora in fase molto sperimentale.

Con ATOM HEART MOTHER il gruppo deciderà di virare verso un sound riconducibile al progressive rock, ma unico in realtà nel suo genere...

La band voleva tagliare ogni filo che non portasse alla musica, nel senso più ampio del termine che si possa immaginare. Volevano essere solo musica. Nessun genere, nessuno stile, nessun’immagine.

È così che è nata una delle cover più iconiche della storia della musica.

✨ Storm Thorgeson decise di optare per un'immagine semplice e ordinaria, nel tentativo di sbarazzarsi da qualsiasi etichetta fosse stata attribuita ai Pink Floyd.

Si recò personalmente nella campagna a nord di Londra per fotografare degli esemplari di mucche frisone.

Prese ispirazione dal primo Cow Wallpaper di Andy Warhol, primo sfondo a tema mucca che l’artista americano aveva pubblicato nel 1966.

Sembrerà incredibile, ma la mucca della foto non è una mucca qualsiasi: il suo nome era Lulubelle III e apparteneva al signor Arthur Chalke (che in seguito tentò invano di ricevere del denaro per la foto della sua Lulubelle). Il costo di produzione della copertina fu di sole 30 sterline.

La cover non doveva dare nessun’idea a chi guardava la copertina. Non ci dovevano essere appigli per scovare le persone dietro l’album, nessuno scoglio dove aggrapparsi.

Infatti una caratteristica fondamentale della copertina che colpisce immediatamente è la mancanza di un qualsiasi tipo di testo: non è presente né il nome o una foto della band, né il titolo dell'album.

ATOM HEART MOTHER è infatti una delle primissime copertine pubblicate dalla EMI senza il nome del gruppo.

Nonostante i dubbi dell'etichetta discografica, l'album venne comunque pubblicato con la copertina scelta dai Pink Floyd. E fu un vero successo.

In mezzo a tanti dischi che cercavano di farsi notare grazie a copertine stravaganti o psichedeliche, una semplice mucca in mezzo a un prato lasciava il segno e colpiva l'osservatore.

Moltissime persone all'epoca comprarono l'album perché colpite dalla copertina, senza sapere minimamente chi fossero i Pink Floyd..

👉La meravigliosa suite del lato A nasce da alcuni accordi di Gilmour, poi sviluppati e successivamente orchestrati sotto la guida di Ron Geesin.

La lavorazione dell'album non fu semplice, ci furono molti contrasti con gli orchestranti e per questo i Pink Floyd non hanno un buon ricordo dell'album, però, e' un album fantastico.

La suite e' divisa in 6 parti, e' sicuramente a tratti pomposa ma ha una melodia così struggente e nell'insieme coinvolge in modo devastante a livello emotivo...

Il lato B e' composto da brani fatti da ognuno dei Floyd escluso Mason, a parte l'esperimento Alan's Psichedelic Breakfast di tutta la band. I brani sono tutti di livello, summer 68 di Wright, unica.., Fat old sun di Gilmour straordinaria.., If di Waters una poesia pazzesca..

𝟮𝟳 𝗢𝗧𝗧𝗢𝗕𝗥𝗘: 𝗟𝗢𝗨 𝗥𝗘𝗘𝗗, 𝗟𝗔 𝗠𝗘𝗥𝗔𝗩𝗜𝗚𝗟𝗜𝗔 𝗙𝗜𝗡𝗢 𝗔𝗟𝗟'𝗨𝗟𝗧𝗜𝗠𝗢 𝗥𝗘𝗦𝗣𝗜𝗥𝗢Ci sono artisti che non appartengono solo alla loro epoca. Co...
27/10/2026

𝟮𝟳 𝗢𝗧𝗧𝗢𝗕𝗥𝗘: 𝗟𝗢𝗨 𝗥𝗘𝗘𝗗, 𝗟𝗔 𝗠𝗘𝗥𝗔𝗩𝗜𝗚𝗟𝗜𝗔 𝗙𝗜𝗡𝗢 𝗔𝗟𝗟'𝗨𝗟𝗧𝗜𝗠𝗢 𝗥𝗘𝗦𝗣𝗜𝗥𝗢

Ci sono artisti che non appartengono solo alla loro epoca. Continuano a vivere nei dischi che ascoltiamo, negli artisti che hanno ispirato e nelle emozioni che ci regalano ancora oggi.

Il 27 ottobre 2013 ci lasciava **Lou Reed**, poeta urbano, icona del rock e voce irripetibile. Accanto a lui, fino all'ultimo istante, c'era **Laurie Anderson**, che avrebbe poi raccontato con straordinaria dolcezza e intensità quelle ultime ore.

Le sue mani si muovevano lentamente nell'aria seguendo una forma di tai chi, lo sguardo rivolto alla luce e agli alberi d'autunno. Laurie scrisse che sul suo volto c'era meraviglia, non paura.

Un'immagine che sembra il perfetto epilogo della vita di un artista che ha saputo raccontare la bellezza e le ferite dell'esistenza come pochi altri.

Come dice spesso il mio amico **Alfonso**: *"Sono tutti figli di Lou Reed."* E, in fondo, c'è molta verità in questa affermazione. Da Bowie al punk, dall'alternative rock agli artisti contemporanei, l'ombra lunga di Lou continua a proiettarsi sulla musica che amiamo.

Stasera rimettiamo un suo disco sul piatto e alziamo il volume.

Perché certi artisti non muoiono mai. Entrano semplicemente nella leggenda.

di Gianluigi Iovane.

Micro Seiki RX 3000 player including RS-A1 Tonearm and new DENON 103R Cartridge.
23/10/2026

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"Il Club Del Disco Nero vive anche dell'ispirazione alimentata dal mio amico Pierre Bolduc 🙏"
14/10/2026

"Il Club Del Disco Nero vive anche dell'ispirazione alimentata dal mio amico Pierre Bolduc 🙏"

Di Roberto Zecchini «Verrò ricordato come direttore d’orchestra, e non come compositore»."Lenny" muore il 14 ottobre 199...
14/10/2026

Di Roberto Zecchini

«Verrò ricordato come direttore d’orchestra, e non come compositore».
"Lenny" muore il 14 ottobre 1990.
C'è qualcosa di profondamente umano, e persino struggente, in questa confessione di Leonard Bernstein. È il dubbio di chi ha dato moltissimo e tuttavia teme di non aver lasciato al mondo ciò che più gli stava a cuore.
Perché il riconoscimento degli altri non sempre coincide con l'immagine che custodiamo di noi stessi. E talvolta il successo, anche quello più clamoroso, può diventare una forma sottile di incomprensione.
Bernstein aveva conosciuto gli applausi, la gloria, l'ammirazione. Aveva avuto il privilegio, concesso a pochissimi, di parlare attraverso la musica a intere generazioni. Eppure, dietro quella vitalità incontenibile, dietro il gesto generoso, l'intelligenza brillante, il sorriso e gli entusiasmi, abitava anche l'inquietudine di un uomo che continuava a interrogarsi sul senso del proprio lavoro.
Forse è questo che rende così commovente la sua figura. Non la grandezza, che pure è indiscutibile, ma la sua incapacità di trovare riposo nella grandezza raggiunta.
In fondo, ogni artista autentico vive una contraddizione: desidera essere compreso, ma sa che una parte essenziale di sé resterà inevitabilmente incompresa. Cerca una risposta nel giudizio degli altri, pur sapendo che nessun giudizio potrà mai esaurire ciò che ha tentato di esprimere.
E Bernstein, che della musica aveva fatto una straordinaria dichiarazione d'amore alla vita, conosceva bene anche la fragilità di quell'amore. La sua gioia non era mai del tutto separata dalla malinconia, il suo entusiasmo dalla consapevolezza del limite.
Forse, caro Lenny, non spetta a noi decidere per che cosa un uomo debba essere ricordato. E forse non spetta nemmeno a lui.
Ciò che rimane, quando il rumore degli applausi si è spento, non è una professione, un titolo, una gloria. È quanto della nostra umanità siamo riusciti a consegnare agli altri.
E tu, attraverso la musica, ci hai consegnato moltissimo.
Anche quella tua inquietudine, così profondamente umana, l'hai consegnata anche a noi.

Questa celebre fotografia immortala David Bowie e Iggy Pop durante una breve sosta a Mosca nel 1976, mentre erano in via...
11/10/2026

Questa celebre fotografia immortala David Bowie e Iggy Pop durante una breve sosta a Mosca nel 1976, mentre erano in viaggio sulla Transiberiana verso l'Europa occidentale dopo una tournée.

Lo scatto in Piazza Rossa è diventato una delle immagini più iconiche della loro amicizia e di un periodo fondamentale della loro carriera, che avrebbe poi portato alla storica "trilogia di Berlino", destinata a influenzare profondamente la musica rock degli anni successivi.

di Claudio Ottaviano Opera sostiene il Club del Disco NeroOpera Prima e Gian Piero Matarazzo: la misura della musicaImma...
10/10/2026

di Claudio Ottaviano

Opera sostiene il Club del Disco Nero

Opera Prima e Gian Piero Matarazzo: la misura della musica
Immaginate di entrare in una stanza dove qualcuno sta spiegando con la calma olimpica di un inquisitore medievale perché il vostro diffusore esoterico da ventimila euro non vale la plastica con cui è stampato. Quel qualcuno è Gian Piero Matarazzo, un vero e proprio pilastro del giornalismo specializzato che per anni ha fatto tremare i polsi a costruttori e distributori firmando articoli e recensioni tecniche sulle più prestigiose riviste del settore, da Suono a Stereoplay e Audio Review, misurando letteralmente di tutto con una spietatezza scientifica senza pari. In un panorama audiofilo affollato di stregoni che giurano di sentire la direzione degli atomi di rame in un cavo di potenza, Matarazzo si è aggirato per decenni armato di Clio, distorsioscopi e formule matematiche che incutono terrore nei salotti bene, usando il sarcasmo come un'arma di distruzione di massa contro ogni pseudoscienziato. La sua specialità non è solo misurare, ma spiegarvi esattamente perché vi state emozionando per una distorsione armonica che definire criminale sarebbe un complimento. L'aneddoto più esilarante che gira nei corridoi delle fiere lo vede protagonista di fronte a un noto costruttore che decantava la magica plasticità dei suoi crossover: Gian Piero lo ascoltò per dieci minuti buoni annuendo con aria complice, poi estrasse il grafico della risposta in frequenza stampato come un elettrocardiogramma dopo un infarto multiplo e gli domandò candido se per caso il grafico fosse l'oroscopo del mese o il bollettino della mutua. Eppure, sotto quella scorza da incorreggibile bastian contrario, si cela un tecnico di una competenza mostruosa, capace di disinnescare qualsiasi preconcetto e di riconoscere il genio altrui senza invidie di bottega. Lo sanno bene le mie casse acinque vie sette altoparlanti, un progetto f***e e mastodontico che avrebbe fatto inorridire chiunque si affidi solo ai manuali scolastici, ma che Matarazzo ha esaminato e recensito con un entusiasmo contagioso, dimostrando che quando la fisica quadra, persino un anarchico della progettazione come lui sa ba***re le mani.
Quando questo implacabile fustigatore di certezze ha deciso di mettere mano al progetto dell'Opera Prima, un diffusore da supporto storico ma bisognoso di una sterzata decisa verso il rigore, la cura è stata spietata e senza sconti. La versione più recente e matura di questo celebre monitor compatto, la Opera Prima v2 o versione duemilaquindici, è stata letteralmente smontata e ricostruita seguendo i dettami della sua ingegneria acustica senza compromessi. Il mobile adotta fianchi sagomati e curvati in legno impiallacciato con un frontale rivestito in pelle per abba***re ogni subdola diffrazione di spigolo, racchiudendo un volume interno di circa dieci litri accordato in bass-reflex con un condotto anteriore studiato per non impazzire quando si posiziona la cassa vicino alle pareti. La componentistica scelta non ammette repliche economiche: il woofer è un'unità Scanspeak da sette pollici, diciotto centimetri, con membrana in alluminio anodizzato e un condotto di decompressione centrale per azzerare la compressione dinamica, mentre il tweeter è una raffinata cupola morbida Scanspeak da ventisei millimetri dotata di camera di risonanza posteriore e flangia in alluminio. Ma è nel filtro crossover che si consuma il rito laico di Matarazzo, un circuito a due vie calcolato per ottenere un allineamento di fase perfetto, un'impedenza nominale di sei ohm con un minimo estremamente docile intorno ai quattro ohm e mezzo che non fa sudare freddo gli amplificatori, e una sensibilità reale di ottantanove decibel con two virgola ottantatre volt a un metro.
All'ascolto, la trasformazione operata da Matarazzo è uno schiaffo morale a chiunque pensi che un diffusore da supporto debba per forza suonare gracile o affidarsi a un rigonfiamento ru****no del medio-basso per sembrare grande. L'Opera Prima riprogettata da Gian Piero sfodera una risposta in frequenza che si estende con una linearità impressionante dai quaranta hertz fino oltre i ventimila hertz, offrendo una gamma bassa tesa, asciutta, priva di code e dotata di un'autorevolezza dinamica che fa sorridere di compassione chi guarda solo ai litri del mobile. La gamma media è cristallina, trasparente e totalmente sgombra da colorazioni parassite, permettendo alle voci di scolpirsi nello spazio con una naturalezza tridimensionale sconcertante. I dettagli della gamma alta arrivano all'ascoltatore con una precisione millimetrica ma mai tagliente, dimostrando che quando la matematica e la misura governano la mano del progettista, la musica smette di essere un mistero esoterico e diventa semplicemente un capolavoro di fisica applicata. Alla fine della fiera, l'Opera Prima v2 firmata da Matarazzo e la prova vivente che l'alta fedeltà non ha alcun bisogno di favole, amuleti o alchimie da quattro soldi: basta un ingegnere che sappia dare del tu all'acustica, una manciata di componenti eccellenti e il coraggio irriverente di sba***re in faccia al mondo la pura, incontestabile verità delle misure.

Di Claudio Ottaviano EAR 912 è la lezione di Tim de Paravicini: Quando la vera ingegneria demolisce le favole audiofileS...
10/10/2026

Di Claudio Ottaviano

EAR 912 è la lezione di Tim de Paravicini: Quando la vera ingegneria demolisce le favole audiofile
Se c'è una cosa che fa impazzire gli audiofili da salotto, quelli che misurano la qualita di un impianto dal prezzo del cavo di alimentazione o dalla lucentezza del telaio in alluminio spazzolato, è il fatto che un barbone geniale di nome Tim de Paravicini li abbia presi in giro per tutta la vita, facendosi pure pagare profumatamente. Paravicini non è mai stato il classico progettista pettinato in giacca e cravatta pronto a snocciolare supercazzole esoteriche per giustificare l'ennesimo preamplificatore da cinquantamila euro. Era un eretico vero, un ingegnere con la cazzuola in mano e il saldatore nell'altra, uno di quelli che se gli parlavi di condensatori all'olio di serpente ti rideva in faccia e ti spiegava che la fisica non è un'opinione e che le valvole sono semplicemente componenti elettronici lineari da far lavorare come si deve.
Quando nel 2005 ha partorito l'EAR 912, l'intero circo dell'hi-end è rimasto di sasso. Invece di proporre l'ennesima scatola lucida priva di controlli per non rovinare la purezza del segnale, Paravicini ha preso un telaio professionale da diciannove pollici con due maniglioni in metallo, ci ha piazzato sopra due giganteschi VU meter analogici ed ha firmato un preamplificatore che sembrava uscito direttamente da uno studio di registrazione degli anni settanta. E in effetti è esattamente li che voleva andare a parare. L'EAR 912 non è nato per compiacere i cultori del suono mieloso e mielato, ma per gli ingegneri del suono che avevano bisogno di una macchina da guerra indistruttibile, capace di lavorare ventiquattro ore su ventiquattro in studio di incisione senza mai perdere un colpo.
Tim de Paravicini conosceva quel mondo come le sue tasche, avendo modificato i registratori a nastro per la Mobile Fidelity Sound Lab e per gli studi dei Pink Floyd, sapeva perfettamente che l'unica cosa che conta davvero è la verità del segnale. Sotto quel frontale arrogante e professionale si nasconde un'architettura che è una vera lezione di elettrotecnica applicata.
La sezione attiva è ridotta all'essenziale con soli cinque triodi PCC88, noti anche come 7DJ8, di cui tre dedicati allo stadio phono e due allo stadio linea. La vera magia, quella vera e non quella dei pieghevoli pubblicitari, sta nell'uso dei trasformatori di accoppiamento avvolti su sue specifiche proprietarie. Ce ne sono ben sei all'interno della macchina. Invece di usare stadi attivi ad alto guadagno che introducono rumore e distorsione, Paravicini sfrutta i trasformatori Step-Up per gestire il segnale delicatissimo delle testine a bobina mobile MC, offrendo quattro valori di impedenza selezionabili direttamente dal frontale, ossia tre, sei, dodici e quaranta ohm, affiancati da uno stadio phono MM con impedenza standard di quarantasette kohm e guadagno regolabile a passi di tre e sei decibel. La sezione linea non è da meno, con quattro ingressi sbilanciati RCA, due ingressi bilanciati XLR, un loop per registratore tape e uscite sia RCA che bilanciate a seicento ohm capaci di pilotare anche cento metri di cavo senza perdere una sola sfumatura.
Quando lo metti in catena d'ascolto, l'EAR 912 smonta in tre secondi tutti i luoghi comuni sul suono valvolare caldo e lento. Con una risposta in frequenza piattissima da venti hertz a ventimila hertz entro tre decimi di decibel, un rapporto segnale al rumore di novanta decibel ed una distorsione inferiore allo zero virgola uno per cento a tre volt di uscita, questo preamplificatore suona con una velocità e una presa dinamica che lasciano di sasso. Il registro grave e granitico, le voci sono scultoree e la scena sonora si apre con una tridimensionalita chirurgica.
A distanza di oltre vent'anni dal suo debutto, mentre le mode dell'audiofilia usa e getta cambiano ogni stagione, l'EAR 912 resta li a ricordarci la grande lezione di Tim de Paravicini: le chiacchiere stanno a zero, conta solo la buona ingegneria.

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