29/09/2026
Aria luce e colore. La pittura di Ermenegildo Agazzi (1866-1945)
Dal 3 ottobre al 20 novembre 2026 Palazzo Creberg ospiterà un’importante mostra dedicata ad Ermenegildo Agazzi – noto protagonista della grande arte bergamasca a cavallo tra Ottocento e Novecento – di cui si espone un prezioso corpus di trentatré dipinti, alcuni inediti, con l’intento di documentare l’attività del grande pittore nell’arco dell’intera carriera, dalla giovinezza alla maturità. Questo cospicuo nucleo verrà affiancato a un più ridotto, ma non meno interessante, focus composto da otto opere di Rinaldo Agazzi a rappresentare una sorta di “mostra nella mostra” in omaggio al fratello maggiore, con il quale Ermenegildo non mancò mai di confrontarsi.
La mostra “Aria luce e colore. La pittura di Ermenegildo Agazzi (1866-1945)” – a cura di Fernando Noris, Angelo Piazzoli ed Andrea Bonacina – verrà inaugurata sabato 3 ottobre 2026 alle ore 11.00.
L’esposizione, vistabile fino al 20 novembre 2026, prevede due aperture straordinarie per le giornate di sabato 3 ottobre e sabato 17 ottobre (dalle 10.00 alle 19.00) con visite guidate gratuite offerte al pubblico da Fondazione Creberg. In contemporanea alla mostra di Ermenegildo Agazzi, i visitatori potranno ammirare dieci degli undici capolavori restaurati nel 2026 dalla Fondazione nell’ambito del Progetto “Grandi Restauri”, allocati nel loggiato del Palazzo in un suggestivo percorso.
La seconda apertura straordinaria, prevista per il 17 ottobre 2026, rientra nella iniziativa “E’ Cultura”, promossa da ABI (Associazione Bancaria Italiana), a cui aderiscono Banco BPM, con l'apertura dei principali palazzi storici del gruppo, e Fondazione Creberg con la messa a disposizione delle due mostre a palazzo Creberg.
Ermenegildo Agazzi, nato a Bergamo nel 1866, fa parte di quella diaspora di artisti bergamaschi – tra l’altro ancor oggi in atto – che, dopo una formazione integralmente locale, scelgono di lasciare città e provincia, per praticare altrove ambienti e frequentazioni per loro più stimolanti. Soltanto in età avanzata, persuaso dalla minaccia dei bombardamenti sul capoluogo lombardo dove si era stabilmente trasferito da anni, decide di rientrare nella città natale dove muore assassinato nel 1945.
LE RAGIONI DI UNA MOSTRA
La mostra si propone di riportare l’attenzione su una figura che, nonostante il valore artistico e la notorietà acquisita in vita, è stata finora oggetto di sporadici approfondimenti, soprattutto da parte della critica recente.
«Organizzare questa mostra – con l’ausilio della straordinaria competenza di Fernando Noris e della appassionata ricerca di Andrea Bonacina – rappresenta un atto di giustizia riparativa. Come già accaduto per molti artisti di valore ai quali ci siamo dedicati – messi ai margini e, talvolta, condannati all’oblio da logiche espositive non legate al merito oppure dimenticati – sentiamo il dovere di riportare sotto la lente d’ingrandimento, anche alla luce di nuove ricerche, vicende interessanti che rischiano di rimanere sepolte» afferma Angelo Piazzoli, Presidente di Fondazione Creberg e curatore dell’evento.
Fernando Noris spiega così la scelta del titolo della mostra: «Dipingere l’aria, questo può essere il filo conduttore della presente mostra. Riconoscere ai nostri due pittori, Ermenegildo e Rinaldo, l’ambizione di saper riempiere lo spazio che intercorre tra il loro vedere e la realtà osservata, con la luminosità dei colori e dalla luce: ampliare e diffondere la sospensione del vuoto intermedio dello sguardo, trasformandolo in immagini, che, in forza della pura pittura, vengono a materializzarsi in forme nuove e inedite. Soprattutto Ermenegildo Agazzi, forte di questa intuizione, rivela di aver vissuto un ruolo di sorprendente modernità, avendo colto del proprio lavoro, il gusto di aumentare la resa del reale, consentendo alle proprie creazioni di espandersi all’infuori, sfidando la bidimensionalità della tela, quasi a proiettarsi, indipendentemente da essa, in una dimensione altra».
Nelle scelte di vita, in particolare nello spostamento a Milano avvenuto nel 1894, pochi mesi dopo aver completato gli studi in Accademia Carrara, ci fu anche, fa acutamente notare Noris, una forte vicinanza ai modi del suo maestro Cesare Tallone: «L’opzione milanese del giovane artista, che si sarebbe rivelata irreversibile fino al 1942, era stata evidentemente condizionata dalla sua acquisita adesione, convintissima, a un mai dismesso tallonismo, che lo facilitò nell’inserimento in un ambiente così eterogeneo e dinamico come quello meneghino, dove potersi confrontare con gli orientamenti a lui più congeniali. Più semplicemente, e più realisticamente, Ermenegildo Agazzi scelse per sé la scomoda via di una ostinata devozione nei confronti della pura pittura, convinzione e pratica che pure erano state alla base dell’esordio e della prima intuizione dei padri scapigliati».
Come sottolinea Angelo Piazzoli, «Ermenegildo Agazzi non è stato solo un testimone del suo tempo, ma un protagonista capace di traghettare la grande lezione del naturalismo lombardo verso le inquietudini e le conquiste del Novecento. La sua arte si distingue per una libertà intellettuale ed estetica che lo ha portato a esplorare il "vero" con rara forza espressiva. Se nella riscrittura della storia molte vicende sono rimaste senza voce, grazie alla nostra esposizione la pittura di Agazzi non può che riemergere oggi con la forza e la nitidezza di un grande classico, rendendo attuale ciò che scrisse Carlo Carrà nel 1946: “Quello che ci sembra di poter affermare, è che una più generosa giustizia di quella che l'accompagnò nella vita metterà Ermenegildo Agazzi a quel posto che gli spetta nella moderna pittura lombarda e che finora soltanto la critica più aperta e avveduta ebbe l'onesta accortezza di assegnargli”».
Valore aggiunto di questa esposizione è la meticolosa ricerca condotta da Fernando Noris sulla morte dell’artista, avvenuta in circostanze misteriose. Attraverso la lettura delle cronache del tempo e di documenti inediti, la vicenda della tragica scomparsa dell’artista assume i contorni di un autentico caso irrisolto, un vero e proprio cold case. Per conoscere gli sviluppi e il risultato di questa scoperta sarà però necessario attendere l’inaugurazione della mostra e la pubblicazione del catalogo, che, come di consueto, sarà messo gratuitamente a disposizione dei visitatori.
«Può non rientrare tra i doveri della storia dell’arte ricostruire le vicende tragiche legate alla fine di qualche artista. O forse, soltanto di quelli più famosi, che hanno segnato la propria epoca e determinato l’evoluzione dell’intero sistema dopo di loro – scrive a tal proposito Fernando Noris – i documenti che raccontano la drammatica scomparsa del pittore Ermenegildo Agazzi, avvenuta il 15 ottobre 1945, rivelano una loro curiosità, per come si intrecciano, alternando fatti, interpretazioni, supposizioni e strane reticenze».
Gli approfondimenti, che verranno pubblicati nella sezione “Apparati” del catalogo della mostra, non intendono certo modificare la sostanza della capacità e delle peculiarità creative dell’artista, ma soltanto confermare il rispetto che è dovuto alla conclusione della sua storia personale.
LA MOSTRA
L’accurata ricognizione sul catalogo delle opere di Ermenegildo Agazzi e del fratello Rinaldo, condotta da Andrea Bonacina, consente di ripercorrere un itinerario, cronologico ed espressivo di grande impatto e di documentata completezza che si sviluppa tra il Salone principale di Palazzo Creberg e l’area direzionale del piano superiore.
Nel Salone principale vengono presentate le opere di maggiori dimensioni, tra cui il Fortino del 1888, anno in cui Ermenegildo sta ancora studiando all’Accademia Carrara di Bergamo ma sta già esponendo alla Triennale di Milano e l’indimenticabile La calza del 1890 dipinto a Milano, che come afferma Fernando Noris: «può essere considerato come la tesi di laurea di congedo di Agazzi dalla scuola e da Bergamo (pur se vi abiterà fino al 1894) e rappresenta il garbato omaggio a un verismo, che stava indicando, nella pittura italiana dal meridione, a Venezia, alla Lombardia il nuovo corso che si intendeva dare al definitivo superamento dell’arte tardo ottocentesca».
Qui colpisce la curiosità quasi devota dello sguardo concentrato della ragazzina che incontra la quieta pazienza dell’adulta, consapevole di trasmettere un sapere e un “fare” a sua volta acquisito da altre. Continua Noris: «Il soggetto, ancora importante nella conduzione del quadro, è trattato come il racconto di una delicata intimità domestica, dentro un dinamismo di affetti silenziosi. Lo stesso Agazzi promuoverà la presentazione di questo dipinto in diverse circostanze, dal 1893, fino al 1912, ovviamente ritenendo significativo questo suo ordinatissimo punto di partenza».
Sempre in Salone, La Raccolta delle ostriche del 1919 documenta invece un periodo successivo, in cui lo stile è profondamente cambiato e maturato raggiungendo un’originalità che gli permette distinguersi nel panorama artistico lombardo. Si tratta della prima delle diverse versioni di un tema che sta molto a cuore all’artista dove in primo piano, una lunga teoria di uomini e donne a capo chino su grandi contenitori sono uniformati dall’indifferenza disegnativa del pittore a testimoniare la sua unica fede: forma e colore. «Le sagome umane, i recipienti della raccolta, le vele sulla linea d’orizzonte, la spuma delle onde, l’aria cangiante di acque e cieli – rivela Noris – si fondono dentro una amalgamata unità narrativa, che annulla ogni possibile priorità legata al soggetto. Tutto è vibratile, nel suo senso di esistere. Nella pienezza di ciascuna delle presenze individuate, si afferma, grazie alla supervisione di Ermenegildo Agazzi, il protagonismo panico di una realtà, percepita e assunta come l’esibizione di una somma di sinestesie visive (la scena della raccolta in sé), uditive (il rumore del mare, le cantilene delle persone), tattili (le mani nella sabbia), olfattive (la salsedine delle onde). Una pittura totale, di integrale essenza».
«Con Agazzi – afferma Angelo Piazzoli – la materia pittorica diventa protagonista, le sue pennellate ampie e materiche, spesso sovrapposte, conferiscono alle superfici quella densità cromatica che lo ha reso riconoscibile e difficilmente imitabile. Una pittura, la sua, di forte coinvolgimento emotivo, evidente sia negli amati paesaggi bergamaschi che nelle ricercate vedute lagunari ma soprattutto negli intensi ritratti nei quali la luce non è soltanto un dato naturalistico al servizio del pittore, ma diventa strumento in grado di sondare l’emotività ed evocare gli stati d’animo».
Il piano superiore (area direzionale), dove in una parte del Loggiato trovano posto anche le opere del fratello Rinaldo, è riservato a dipinti altrettanto importanti nel percorso dell’artista. Si tratta di tele di dimensioni più contenute rispetto a quelle in Salone che spaziano dalla figura al paesaggio e che si riflettono per esempio nella sospesa meraviglia dello sguardo del Ragazzo con pannocchie (1899) meritevole di Medaglia d’Oro all’Esposizione Internazionale Bruxelles del 1910 qualche anno dopo, quindi, rispetto alla sua esecuzione. «La rarefazione della pittura – come ben descrive in catalogo Fernando Noris – si diffonde, prima di dissolversi, sullo sfondo, orlando di limpidissima luce il profilo del giovanetto. Dalla manualità di scartare pannocchie (scarfoià, in dialetto) rimane il gesto impastato di colori delle mani in grembo. Mentre l’insieme della figura viene consegnato a una dimensione di sottile evocazione di un certo verismo simbolico, scelta certamente precoce per l’Agazzi in quell’anno».
Sempre al piano superiore Le due sorelle del 1911 nel loro clamoroso e magmatico impasto dentro cui si affacciano le due figure non a caso costituì il biglietto di presentazione di Ermenegildo Agazzi alla Esposizione Artistica degli Indipendenti di Roma del 1911, e alla X Esposizione Internazionale d’Arte della Città di Venezia, del 1912, oltre che alla Permanente di Milano nel 1913 dove l’artista era, ovviamente, di casa.
Capitoli fondamentali sono quelli delle vedute veneziane (Piazza San Marco, Chioggia, Venezia Rio dei Mendicanti e la Scuola Grande di San Marco solo per citarne alcune) che non possono non suscitare un confronto con le opere settecentesche di Francesco Guardi nelle tonalità di bianco volutamente “sporcate”, come pure i paesaggi montani degli anni Venti (Macugnaga, Cervino) entrambi temi che appartengono alla consolidata moda del tempo. Nelle Venezie, la particolare interpretazione brunita con i suoi ocra, i caldi ruggine ramati, le acque macerate di verdi striati ambientano imbarcazioni, vele, ponti e case dentro una atmosfera silenziosa, fatta di assenze, sotto cieli appena appena citati, quasi con la riserva che la loro luce non disturbi la proiezione, in primo piano, di questo tripudio di colori.
Il viaggio in Bretagna nel 1931 è ulteriore occasione per scoprire nuovi paesaggi e con essi nuovi stimoli. Ermenegildo vi era stato accompagnato in auto, con una puntata a Parigi, dal cugino Benedetto Agazzi. La novità dei dipinti di questo piccolo ciclo, si manifesta soprattutto in Bretagna (1931), in cui come suggerisce Noris: «il mare non è più mare, ma un ribollire di fragorosi accumuli labirintici di striature cangianti, tra verdi improbabili, strisce rugginose, a litigare con un cielo altrettanto fosforescente di nubi (non diverse da quelle scoperte in val Bondione)».
«Ermenegildo Agazzi – chiosa Angelo Piazzoli – appartiene a quel "Piccolo Mondo Antico" di generazioni che tanto hanno dato alla nostra identità culturale e ai quali molto dobbiamo. La sua capacità di catturare l'aria e l'atmosfera sulla tela non è semplice esercizio di stile, ma una ricerca profonda, spirituale e culturale, che lo colloca a pieno titolo tra gli artisti che “fecero la storia”. Con questa esposizione e il catalogo che la accompagna, intendiamo far sì che venga riconosciuta la rilevante importanza del percorso di Agazzi nell’evoluzione dell’espressione artistica della prima metà del Novecento. È il nostro modo per contrastare, quando immotivato e ingiusto, il nemo propheta in patria e riaffermare che la grande qualità, se posta in adeguata luce, sa smascherare ogni apparenza».
INFORMAZIONI SULLA MOSTRA
L’esposizione rimarrà aperta al pubblico dal 3 ottobre al 20 novembre 2026, con accesso libero e gratuito, nei giorni feriali, dalle 9.00 alle 13.00. Sono previste due aperture straordinarie.
Prima apertura straordinaria sabato 3 ottobre 2026
Ore 10.00 – 19.00. Apertura del Palazzo Storico del Credito Bergamasco in Bergamo, Largo Porta Nuova, 2.
Ore 11.00. Presentazione ufficiale della mostra nel Salone Principale di Palazzo Creberg con interventi dei curatori.
Nell’occasione si terrà inoltre una illustrazione della esposizione parallela dedicata al Progetto “Grandi Restauri 2026” che trova posto in Loggiato e nella sala consiliare dello Storico Palazzo, con 10 capolavori restaurati nel 2026 da Fondazione Creberg.
Seconda apertura straordinaria sabato 17 ottobre 2026
Ore 10.00 – 19.00. Apertura del Palazzo Storico del Credito Bergamasco (Banco BPM) in Bergamo, Largo Porta Nuova, 2.
Nei giorni di sabato 3 ottobre e sabato 17 ottobre le esposizioni saranno visitabili liberamente dalle 10.00 alle 19.00; per chi lo desidera, verranno offerte visite guidate gratuite di 30 minuti ad entrambe, con inizio alle ore 10.30, 11.30, 12.30, 14.30, 15.30, 16.30, 17.30, 18.30.
Catalogo
A tutti i visitatori verrà consegnato, come sempre gratuitamente, il catalogo edito da Fondazione Credito Bergamasco con testi di Angelo Piazzoli e Fernando Noris.
