Fundación del Nuevo Cine Latinoamericano

17/08/2026

La Fundación del Nuevo Cine Latinoamericano acogió bajo la arboleda de su sede en La Habana a los miembros de la en su visita a Cuba en la primera quincena del mes de agosto. El encuentro sirvió como homenaje al Comandante en Jefe Fidel Castro en el centenario de su nacimiento. En la gala participaron los grupos de del municpio La Lisa a quienes a abre la sala cada fin de semana para que presenten sus espectáculos. Entre ellos la orquesta de cuerdas Vocal Clave Sol, el conjunto danzario Cuba conquistando un sueño, Alas, La Colmenita de La Lisa.
El encuentro fue muy cálido y emotivo, tanto los jóvenes artistas, como el público intercambiaron gestos de fraternidad. Agradecemos a la Brigada Venceremos y a todos los que apoyan al pueblo cubano en su resiliencia frente al bloqueo estadounidense.

Centro Fidel Castro Ruz Ampp La Lisa Asociación Cubana de las Naciones Unidas Cubacine ICAIC Ministerio de Cultura de Cuba

13/08/2026

Se celebra hoy , el centenario del natalicio de Fidel Castro Ruz, a quien Gabriel García Márquez llamara como "el cineasta menos conocido del mundo". Lo decía no por su vida como realizador o actor de cine, aunque sí lo intentó, lo llamó así por su apoyo y sostén del , . Así lo escuchamos entre risas, durante las palabras inaugurales de la sede de la Fundación del Nuevo Cine Latinoamericano, en diciembre de 1986. Ciertamente este fue el legado de como cineasta, la de fundar la industria cinematográfica cubana, la de acoger como hombre de Estado a las/los cineastas líderes del movimiento del . Este esfuerzo condujo a la creación de esta Fundación, y del nombramiento inesperado de como su presidente en diciembre de 1985. Tuvo igualmente la iniciativa de construir la sala de cine , única de su tipo en el periférico municipio de La Lisa. Dos años más tarde, se abre la Escuela Internacional de Cine y TV. San Antonio de Los Baños, CUBA a la que imprimió su vocación de formar cineastas de todo el o de lo que hoy se llama .
Años han transcurrido ya desde su partida, sin embargo hoy, desde la lo traemos al presente como alguien de la casa, amable, gentil, cuidadoso de cada detalle.

Estarás siempre presente, comandante-amigo.

Alquimia Peña Festival de Cine de La Habana Lisver Santiesteban Perdigon Cubacine ICAIC Fundación Grupo Ukamau Santiago Álvarez Centro Fidel Castro Ruz Revista Cine Cubano Ampp La Lisa Asociación Cubana de las Naciones Unidas Ministerio de Cultura de Cuba

05/08/2026

Eliseo Altunaga (1941-2026), maestro del guion cinematográfico y narrador de la negritud caribeña y cubana.

El reconocido , y cubano Eliseo Altunaga Barreras falleció este martes 4 de agosto en Madrid a los 85 años, acompañado de sus seres querido, tras permanecer varios días hospitalizado. Su partida deja un vacío inmenso en la cultura amefricana, caribeña, e iberoamericana, donde era considerado un “imprescindible del séptimo arte”.

Nacido en Camagüey el 21 de marzo de 1941, Altunaga se licenció en Lengua y Literatura Hispánicas por la Universidad de La Habana en 1976. Forjó una carrera que abarcó la literatura, el cine, la radio y la televisión. Como guionista, dejó huella en la serie televisiva Algo más que soñar y en filmes como La Gran Rebelión o Entre ciclones. En el ámbito internacional, fue coguionista de Violeta se fue a los cielos (2011), ganadora del premio del jurado en Sundance, y asesoró a directores como Pablo Larraín (No, El Conde) y Sebastián Lelio (Una mujer fantástica, ganadora del Oscar), fue el asesor del guión de Sugar Island, ganadora del del Festival de Nuevo Cine Latinoamericano, Festival de Cine de La Habana.

Su legado más trascendente, sin embargo, fue el de maestro. Durante décadas fue profesor titular del ISA, Universidad de las Artes y fue fundador y director de la Cátedra de Guion y de Altos Estudios de la Escuela Internacional de Cine y TV. San Antonio de Los Baños, CUBA. Por sus talleres pasaron realizadores de toda América Latina, África y Europa, que lo recuerdan como un mentor riguroso, generoso y profundamente comprometido con el arte de contar historias.

Como narrador, Altunaga fue un pionero al narrar con mirada crítica y poética el devenir histórico, socio-político-cultural de la y la en el , y en en particular. Entre sus novelas figuran Canto de gemido (1988), A medianoche llegan los mu***os (1998), En la prisión de los sueños (2003), Las negras brujas no vuelan (2005) y Lágrimas negras (2017).

Recibió, entre otros galardones, la Distinción por la Cultura Nacional y la Medalla Raúl Gómez García. Su obra y su enseñanza perdurarán en cada uno de los cineastas y escritores que tuvieron el privilegio de aprender de él.

El velatorio se celebrará el miércoles 5 de agosto en el Tanatorio Parcesa La Paz de Madrid. Descanse en paz.

04/08/2026

Sí, es cierto. Con profundo dolor tenemos que confirmar el fallecimiento de la querida actriz cubana Paula Alí, ocurrido hoy, lunes 3 de agosto de 2026. La noticia ha sido confirmada por la Unión de Escritores y Artistas de Cuba - UNEAC, sumiendo al mundo artístico y al pueblo cubano en un inmenso pesar.

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Paula Alí: La luz que no se apaga

Ha mu**to la luz. Ha mu**to la risa.
Ha mu**to el alma de la escena cubana.

Hoy, la Mayor de las Antillas viste de luto. El sol se ha ocultado entre las nubes grises de La Habana, porque Paula Alí, esa mujer de mirada dulce y voz eterna, ha emprendido su último viaje. Pero no se ha ido del todo: su esencia queda flotando en cada rincón de nuestra cultura, en cada escenario que pisó, en cada hogar que iluminó con su arte.

Nacida en Candelaria, Pinar del Río, aquella niña soñadora que llegó a la capital con 20 años para ser artista, se convirtió en el rostro más popular y entrañable del medio audiovisual cubano. Durante más de seis décadas, Paula Alí no solo interpretó personajes: los vivió, los respiró, los amó.

Una trayectoria de luz

Su versatilidad era su sello. Brilló con igual maestría en el drama y en la comedia, aunque fue en el humor donde cosechó el cariño más profundo del público. Su naturalidad, su carisma y su oficio impecable la convirtieron en un referente único.

• En el , dejó huella en colectivos de prestigio como Teatro Estudio y El Público, Teatro Trianón, La Habana, Cuba-Teatro El Público.
• En la , su rostro se volvió familiar para generaciones enteras en telenovelas como "Enamorada del mar" y "Los hijos de Pandora", así como en innumerables programas humorísticos.
• En el , participó en largometrajes como "Lista de espera" y "El cuerno de la abundancia", dejando su sello en la gran pantalla.

Un legado que trasciende

Paula Alí no fue solo una actriz: fue la memoria afectiva de los cubanos. Supo conectar con varias generaciones de espectadores, convirtiéndose en una de las intérpretes más influyentes de Cuba. Este mismo año, en julio de 2026, recibió el el máximo reconocimiento a una carrera dedicada al arte.

El adiós

Hoy, el pueblo cubano llora su partida. Las muestras espontáneas de cariño y reconocimiento brotan en cada esquina. La Fundación del Nuevo cine Latinoamericano expresa sus más sentidas condolencias a sus familiares, amigos, compañeros, al público que la ama.

Su obra permanecerá.
Su risa seguirá sonando en los teatros.
Su mirada seguirá brillando en las pantallas.
Su nombre seguirá vivo en la historia de las artes escénicas y audiovisuales de Cuba.

Descansa en paz, Paula Alí. La te llora, pero tu luz jamás se apagará.

31/07/2026

Hoy 31 de julio cumple 90 años Jorge Sanjinés, miembro del de la Fundación del Nuevo Cine Latinoamericano desde su fundación el 4 de diciembre de 1985.
A él, que celebra los 90 con el dulce amargo recuerdo de su , compañera de la vida, y del movimiento dell dedicamos esta publicación.

Jorge Sanjinés: El cineasta de la mirada insurgente

Por Ramón L. Cabrera

Jorge Sanjinés Aramayo (La Paz, 31 de julio de 1936) es, sin discusión, el cineasta más importante de la historia de Bolivia. Su nombre está grabado a fuego en el Nuevo Cine Latinoamericano, un movimiento que en las décadas de 1960 y 1970 transformó el cine del continente en un arma de denuncia y transformación social. Director y guionista, su vida y obra son un testimonio de coherencia: un cine hecho con el pueblo, para el pueblo y sobre el pueblo.

• De la filosofía a la cámara

Sanjinés estudió Filosofía y Letras en la Universidad Mayor de San Andrés (UMSA), pero fue el cine lo que terminó de dar forma a su pensamiento. En 1957 viajó a Concepción (Chile) para inscribirse en un curso de cine, donde realizó su primer cortometraje, "El Poroto" (1957), musicalizado nada menos que por Violeta Parra. Luego, entre 1958 y 1959, se formó en el Instituto Cinematográfico de la Pontificia Universidad Católica de Chile, donde rodó otros tres cortos: "Cobre", "El Maguito" y "La Guitarrita".

De regreso a Bolivia en 1961, Sanjinés fundó, junto a Óscar Soria, el Grupo Ukamau. El nombre, que en aymara significa "así es", ya anunciaba su propósito: filmar la realidad andina desde su propia cosmovisión, sin intermediarios ni miradas exóticas.

• Obra fundamental: denuncia y memoria

La filmografía de Sanjinés es un recorrido por las heridas y las luchas de Bolivia y América Latina. Su primer largometraje, Ukamau (1966), ganó el premio a Grandes Jóvenes Directores en el Festival de Cannes. Pero fue Yawar Mallku (Sangre de cóndor, 1969) la que le dio notoriedad mundial al denunciar las esterilizaciones forzadas de mujeres indígenas por parte de los Cuerpos de Paz estadounidenses. La película tuvo un impacto político directo: se cree que contribuyó a la expulsión de los Cuerpos de Paz de Bolivia.

Su compromiso se profundizó con El coraje del pueblo (1971), donde trabajó con campesinos no profesionales para reconstruir la Masacre de San Juan. Con Jatun Auka (El enemigo principal, 1974), rodada en el exilio peruano, y Llocsi caimanta (¡Fuera de aquí!, 1977), filmada en Ecuador, Sanjinés mantuvo su crítica al imperialismo y a las estructuras de poder.

En los años siguientes, su obra siguió cosechando reconocimientos: La nación clandestina (1989) obtuvo la Co**ha de Oro en el Festival de San Sebastián; en 1992, la UNESCO seleccionó Yawar Mallku como una de las 100 mejores películas de la historia del cine. Su cine nunca se detuvo, con títulos como Insurgentes (2012), Juana Azurduy, Guerrillera de la Patria Grande (2016) y Los viejos soldados (2022).

• Un cine con el pueblo

Sanjinés no solo es un director; es un . Su manifiesto "Problems of Form and Content in Revolutionary Cinema" (1976) es una pieza clave del movimiento del Tercer Cine, junto a textos de o . Para él, el cine no podía ser un producto de élite, sino un medio de comunicación revolucionario donde el sujeto colectivo —el pueblo— fuera el verdadero protagonista.

Su legado ha sido reconocido con el Premio ALBA de las Artes (2009) y, en 2024, con el Cóndor de los Andes, la máxima distinción del Estado boliviano.

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Bibliografía consultada

· Cine Latinoamericano. CINEASTA - Jorge Sanjinés. Disponible en: http://cinelatinoamericano.org/cineasta.aspx?cod=48[reference:27]
· Fundación Grupo Ukamau. Jorge Sanjinés Aramayo. Disponible en: https://ukamau.org.bo/jorge-sanjines/[reference:28]
· Historia.com.bo. Jorge Sanjinés. Disponible en: https://www.historia.com.bo/biografia/jorge-sanjines[reference:29]
· Wikipedia, la enciclopedia libre. Jorge Sanjinés. Disponible en: https://es.wikipedia.org/wiki/Jorge_Sanjinés[reference:30]
· Wikipedia, the free encyclopedia. Jorge Sanjinés. Disponible en: https://en.wikipedia.org/wiki/Jorge_Sanjinés[reference:31]

Fundación Grupo Ukamau Embajada de Bolivia en Cuba Boliviacine Bolivia Lab

31/07/2026

Recordación: Beatriz Azurduy Palacios (1952-2003)

✍️🏽 Ramón L. Cabrera .

“Hago cine porque encuentro que es el medio más poderoso de comunicación de las mayorías de mi país, porque el cine construye conciencia de la realidad y rescata momentos importantes de nuestro pasado histórico”

Con estas palabras definía su oficio Beatriz Azurduy Palacios Mesa, cineasta boliviana que dedicó su vida a hacer del séptimo arte un arma de concientización y transformación social. Nacida en Oruro el 31 de julio de 1952, su destino quedó marcado por un viaje temprano: en 1963, con solo 18 años, se trasladó a Cuba. Allí, en el corazón de la Revolución, comenzó a forjar el camino que la convertiría en una de las figuras más completas del cine político latinoamericano.

En La Habana, Beatriz se desempeñó como presidenta de la Asociación de Bolivianos Residentes, encargándose de distribuir en toda Cuba las obras del Grupo Ukamau, el colectivo cinematográfico fundado por el también boliviano Jorge Sanjinés. Ese encuentro profesional se transformó pronto en una relación simbiótica que duraría más de 28 años: se casaron y, desde entonces, trabajaron codo a codo.

Sin embargo, la historia ha tendido a eclipsar su figura detrás de la sombra de su célebre esposo. Una injusticia, porque Beatriz fue mucho más que la compañera de Sanjinés. Fue directora de cine, productora, guionista, investigadora y activista en defensa de los derechos de las mujeres campesinas e indígenas. Su participación en el Grupo Ukamau fue tan vasta que ninguna de esas categorías la define por completo.

Su primera experiencia en el audiovisual llegó entre 1975 y 1977 con la película El enemigo principal. A partir de entonces, su huella se hizo indeleble en títulos fundamentales del cine boliviano como ¡Fuera de aquí! (1977), Las banderas del amanecer (1983) —que codirigió con Sanjinés—, La nación clandestina (1989) y Para recibir el canto de los pájaros, en los que colaboró en producción, guion y montaje.

Pero su legado trasciende las películas. Beatriz fue la arquitecta del Movimiento del Nuevo Cine y Video Boliviano, fundadora de la Escuela Andina de Cinematografía y asesora de la Federación de Mujeres Campesinas de Bolivia. Su mirada siempre estuvo puesta en los sectores populares, a quienes consideraba el público principal. Miembro del Comité de Cineastas de América Latina y del Consejo Directivo de la Fundación del Nuevo Cine Latinoamericano, recibió en 1999 el reconocimiento de la UNEAC por su contribución al cine del continente.

Quienes la conocieron la recuerdan como una mujer torrencial y humana, eléctrica y andina, pequeña como una semilla de plata, pero de una rebeldía insobornable. Su ley fue servir y servir; jamás la vieron triste, siempre fue la esperanza. Aportó al Grupo Ukamau coherencia y radicalidad en la alineación con las luchas subalternas del continente. Según su visión, el cine político debía ser alimentado en todas sus fases, especialmente como arma de concientización.

El 20 de julio de 2003, mientras viajaba en el avión que la llevaría desde La Paz a La Habana para someterse a un tratamiento médico, la vida se le apagó antes de llegar a tierra cubana. Cumpliendo su expresa voluntad, sus restos descansan en el Cementerio de Colón, en La Habana.

Beatriz Palacios muere y una montaña se derrumba, escribió Omar González en su sepelio. Pero su obra, su compromiso y su ejemplo siguen en pie. Porque Beatriz no solo hizo cine: construyó conciencia, abrió puertas y sembró futuro. Y ese futuro, hoy, nos interpela.

Fundación Grupo Ukamau

30/07/2026

Miguel Littin: el cineasta de la memoria y la resistencia chilena

✍️🏽Ramón L. Cabrera.

Miguel Ernesto Littin Cucumides (Palmilla, Chile, 9 de agosto de 1942) es uno de los directores más emblemáticos del Nuevo Cine Latinoamericano y una figura central de la cultura chilena del siglo XX y XXI. Su obra, marcada por un profundo compromiso político y una incesante búsqueda estética, ha sabido conjugar el realismo social, la poesía visual y la denuncia histórica. Su vida, como su cine, estuvo atravesada por el exilio, la clandestinidad y un amor inquebrantable por su patria, convirtiéndolo en un símbolo de la resistencia cultural contra la dictadura de Augusto Pinochet.

• Formación y primeros pasos en el cine
Nacido en la localidad rural de Palmilla, en la región de O'Higgins, Littin mostró desde joven una vocación artística que lo llevó a estudiar teatro en la Universidad de Chile. Su inquietud por la imagen lo condujo posteriormente a la Escuela de Artes de la Comunicación de la Universidad Católica, donde comenzó a forjar su mirada cinematográfica. A mediados de los años sesenta, su talento fue rápidamente reconocido: sus primeros cortometrajes, entre ellos el documental Por la tierra ajena (1965), revelaron a un cineasta con una sensibilidad única para retratar la marginalidad y la injusticia social. Estas primeras obras le abrieron las puertas de la recién creada productora estatal Chile Films, plataforma desde la que impulsaría una renovación del cine nacional en sintonía con los aires revolucionarios que recorrían el continente.

• La consagración antes del golpe: El Chacal de Nahueltoro y La tierra prometida
El reconocimiento internacional le llegó de manera fulminante con su primer largometraje, El Chacal de Nahueltoro (1969), considerada unánimemente una de las obras maestras del cine latinoamericano. Basada en un estremecedor caso real ocurrido en la década de 1960, la película reconstruye la historia de José del Carmen Valenzuela, un campesino analfabeto que asesina a su pareja y a sus cinco hijos, para ser luego "rehabilitado" por el sistema carcelario y ejecutado por la misma sociedad que lo condenó. Con un estilo entre el documental y la ficción, y un uso magistral de la cámara en mano y el sonido directo, Littin no solo narra un crimen, sino que levanta un acta de acusación contra una estructura social que produce y luego aniquila a sus víctimas. La cinta ganó el Premio OCIC en el Festival de Venecia y situó a su director en la vanguardia del cine mundial.

Su siguiente proyecto fue aún más ambicioso. La tierra prometida (1973), una épica alegórica sobre la lucha de los campesinos chilenos durante la efímera República Socialista de 1932, estaba siendo filmada cuando el golpe de Estado del 11 de septiembre de 1973 interrumpió violentamente su realización. Littin, cercano al gobierno de la Unidad Popular de Salvador Allende, debió partir al exilio. La película fue rescatada y terminada en el extranjero, convirtiéndose en un testimonio de un proyecto de país truncado por la fuerza.

• El exilio y el cine de la denuncia
Instalado primero en México y luego en Cuba, España y Nicaragua, Littin transformó su exilio en una plataforma de denuncia contra la dictadura de Pinochet. De esta etapa datan algunas de sus obras más poderosas. Actas de Marusia (1976), una coproducción mexicana basada en la masacre de un campamento minero en el Chile de 1925, fue nominada al Premio Óscar a Mejor Película Extranjera y representó una metáfora descarnada de la represión militar en el Cono Sur. Poco después, llevó al cine la novela de Alejo Carpentier El recurso del método (1978), un retrato ácido de la figura del dictador latinoamericano que obtuvo el Premio Especial del Jurado en el Festival de Moscú. En 1982, con Alsino y el cóndor, una fábula sobre la guerra en Nicaragua filmada en ese país, volvió a ser nominado al Óscar, confirmando su prestigio internacional.

• La aventura clandestina y el retorno
El episodio más legendario de su biografía ocurrió en 1985, cuando Littin, desafiando la prohibición de ingresar al país, regresó clandestinamente a Chile disfrazado de empresario uruguayo. Durante semanas, y con un equipo reducido de la resistencia interna, recorrió el país filmando la realidad de la dictadura puertas adentro. El resultado fue el documental Acta general de Chile (1986), un fresco monumental de la vida bajo el régimen pinochetista. Esta hazaña fue inmortalizada por su amigo, el premio Nobel Gabriel García Márquez, en el libro-reportaje La aventura de Miguel Littin clandestino en Chile, que se convirtió en un best seller mundial y en un acto de visibilización de la lucha democrática chilena.

Con el retorno de la democracia, Littin continuó su carrera cinematográfica con títulos como Sandino (1990), sobre el héroe nicaragüense; Los náufragos (1994), que indaga en las heridas del exilio; y Tierra del fuego (2000), una épica sobre la colonización de la Patagonia. En 2014 estrenó Allende en su laberinto, una mirada íntima a las últimas horas del presidente mártir.

• Compromiso político y legado
La vocación de servicio público de Littin trascendió la pantalla. Entre 1992 y 1996 fue alcalde de su natal Palmilla por el Partido Socialista, cargo desde el que impulsó proyectos de desarrollo cultural y social en la zona rural que lo vio nacer. Esta faceta confirmó su convicción de que el arte y la política son herramientas complementarias para transformar la realidad.

Miguel Littin es, en suma, un cineasta total. Su obra, que abarca más de medio siglo, constituye un capítulo imprescindible de la historia del cine chileno y latinoamericano. Su legado es el de un creador que jamás separó la ética de la estética, y que utilizó la cámara como un arma cargada de futuro, memoria y poesía. Hoy, su nombre está inscrito junto al de Aldo Francia, Raúl Ruiz y Patricio Guzmán en el panteón de los grandes maestros del cine chileno.

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• Referencias bibliográficas consultadas

· García Márquez, Gabriel. La aventura de Miguel Littin clandestino en Chile. Bogotá: Editorial Oveja Negra, 1986. [Obra fundamental que relata la experiencia del cineasta durante su regreso clandestino a Chile en 1985 para filmar Acta general de Chile].
· Mouesca, Jacqueline. Plano secuencia de la memoria de Chile: veinticinco años de cine chileno (1960-1985). Madrid: Ediciones del Litoral, 1988. [Estudio que contextualiza la obra de Littin dentro del Nuevo Cine Chileno y analiza sus principales filmes de la etapa del exilio].
· Vega, Alicia. Itinerario del cine documental chileno 1900-1990. Santiago: Ediciones Universidad Alberto Hurtado, 2006. [Incluye un análisis de los documentales de Littin, particularmente Acta general de Chile, dentro de la tradición documental del país].
· CineChile.cl. «Miguel Littin». Enciclopedia del Cine Chileno. Disponible en: https://www.cinechile.cl/persona/miguel-littin/ (consultado en julio de 2026). [Base de datos oficial que contiene su biografía, filmografía completa y cronología actualizada de su trayectoria].
· Fundación Aula de Cine. «Miguel Littin: biografía y obra». Disponible en: https://www.auladecine.org/miguel-littin (consultado en julio de 2026). [Recurso que sistematiza las etapas de su carrera, desde sus cortometrajes iniciales hasta sus producciones más recientes, así como su faceta política como alcalde de Palmilla].



http://cinelatinoamericano.org/cineasta.aspx?cod=129

Portal del cine y el audiovisual latinoamericano y caribeño

24/07/2026

Por un continente libre de violencia hacia la mujer y las niñas 💜

𝗟𝗔 𝗜𝗥𝗔 𝗧𝗔𝗠𝗕𝗜É𝗡 𝗘𝗦 𝗨𝗡𝗔 𝗘𝗠𝗢𝗖𝗜Ó𝗡.

Solo que, cuando la expresa un hombre, muchas veces la sociedad la disfraza de “carácter”, “autoridad” o “temperamento”.

A las mujeres se les llama “emocionales” cuando lloran, reclaman o expresan que algo les duele. Pero un hombre puede gritar, golpear una pared, romper objetos o intimidar y todavía presentarse como el “racional” de la conversación.

Imaginemos una olla hirviendo: una persona avisa que el agua está demasiado caliente y otra, molesta por la advertencia, arroja la olla al suelo. Después asegura que la primera fue quien perdió el control. Así funciona muchas veces este doble criterio.

Sentir emociones no vuelve irracional a nadie. Lo preocupante es utilizarlas para amenazar, destruir o imponer miedo y luego negar que eso también es una reacción emocional.

𝗟𝗮 𝗰𝗮𝗹𝗺𝗮 𝗻𝗼 𝘀𝗲 𝗱𝗲𝗺𝘂𝗲𝘀𝘁𝗿𝗮 𝗴𝗿𝗶𝘁𝗮𝗻𝗱𝗼 𝗺á𝘀 𝗳𝘂𝗲𝗿𝘁𝗲. 𝗬 𝗹𝗮 𝗿𝗮𝗰𝗶𝗼𝗻𝗮𝗹𝗶𝗱𝗮𝗱 𝗻𝗼 𝗰𝗼𝗻𝘀𝗶𝘀𝘁𝗲 𝗲𝗻 𝘀𝗶𝗹𝗲𝗻𝗰𝗶𝗮𝗿 𝗮 𝗹𝗮𝘀 𝗺𝘂𝗷𝗲𝗿𝗲𝘀.

Educar emocionalmente también significa enseñar a los hombres a reconocer su miedo, frustración, tristeza e ira sin convertirlas en violencia.

Porque expresar lo que sentimos no es el problema. El problema es creer que algunas emociones justifican dañar a otras personas. 💜

24/07/2026

"Retrato de Teresa" (1979) de Pastor Vega a través del tiempo.

✍️🏽 Ramón L. Cabrera.

Estrenada el 23 de julio de fc1979, Retrato de Teresa no es solo una película: es un fenómeno cultural que desató la discusión popular más ferviente en la historia del cine cubano. En sus primeras seis semanas de proyección, medio millón de espectadores la vieron, y pocos quedaron indiferentes. Dirigida por Pastor Vega (en su primer largometraje de ficción), con guion de Ambrosio Fornet y el propio Vega, la cinta sigue siendo una obra incómoda y necesaria.

Sinopsis

Teresa (Daisy Granados) es obrera textil, delegada sindical, madre de dos hijos y esposa de Ramón (Adolfo Llauradó). Su deseo de incorporarse a un grupo de danza como promotora cultural desata el conflicto: Ramón, machista, considera que esas tareas le restan tiempo para el hogar. La tensión crece hasta la separación y la infidelidad de él, y cuando él busca la reconciliación, ella lo pone a prueba: "¿Y si yo hubiera tenido un amante?" La respuesta —"Pero los hombres son diferentes"— sella su destino.

Un retrato en dos tiempos

El título es engañoso. La película muestra dos retratos de Teresa: el que Ramón le hace al inicio (una foto de domingo, feliz y serena) y el que Vega construye al final (un fotograma congelado). Entre ambos, asistimos al proceso de construcción de una mujer que, lejos de ser víctima pasiva, se está haciendo a sí misma en medio de las transformaciones revolucionarias.

La fuerza de lo abierto

El gran acierto de Vega fue negarse a dar respuestas. La película fue concebida para polemizar, no para moralizar. Su estructura abierta, llena de "nudos y problemáticas no resueltas", obliga al espectador a posicionarse. No hay una he***na sin fisuras ni un villano caricaturesco; ambos encarnan posiciones internalizadas que no se cuestionan a sí mismas.

Actuaciones memorables

Daisy Granados construye a Teresa con determinación y contradicciones. No es una he***na perfecta, pero tampoco renuncia a su complejidad. Su interpretación le valió el premio a mejor actuación femenina de la UNEAC. Adolfo Llauradó, por su parte, evita la exageración: su Ramón no es un hombre fuera de época, sino uno anclado en ideas que todavía circulan. Eso hace que duela más.

Un legado polémico

Retrato de Teresa no fue la primera en abordar la emancipación femenina en el cine cubano (el tercer cuento de Lucía, de 1968, ya lo hacía), pero sí la que trasladó el debate a la Cuba urbana de finales de los 70. Su mérito fue "elevar el tono de la histórica polémica de la emancipación de la mujer".

Conclusión

Retrato de Teresa es una obra incómoda porque nos interpela. No ofrece consuelo ni respuestas fáciles. Como dijo Vega, "no es una película sobre víctimas y victimarios, sino sobre procesos". Y esos procesos, por desgracia, siguen vigentes. Por eso duele, y por eso sigue siendo una de las mejores películas hechas en Cuba.

Cubacine ICAIC Cinemateca de Cuba Festival de Cine de La Habana Unión de Escritores y Artistas de Cuba - UNEAC