AQ廣藝誌

09/06/2026

📣📣AQ帶你看📣📣
📌《在哪裡跌倒 就在哪裡躺一下》 屈中恆、朱德剛病房飆戲
文/胡巧玲

由屈中恆、朱德剛、涂善存演出全民大劇團全新創作喜劇《在哪裡跌倒，就在哪裡躺一下》於6日至21日於台北水源劇場演出，三人以一間三人病房為舞台，演出不同世代、處於不同人生困境的男人，如何在住院的時光中，重新思考生命、失敗、孤獨與陪伴的意義。首次挑戰小劇場的屈中恆在戲中不但要跳舞，還要在病床上做伏地挺身。他說，原本以為接演病房戲，可以舒服躺著演出，沒想到排練後才發現根本不是這麼回事。

由於劇中特別安排一段夢境與現實交錯的重要橋段，因此特別邀請舞蹈家吳義芳擔任舞蹈指導。排練期間演員們經常揮汗如雨，體能消耗驚人。除了體能挑戰，排練場上的笑聲也從未停過。

劇中有一段「啦啦隊應援」的幻想橋段，屈中恆不只親自參與設計進場方式，甚至連舞蹈動作都提出不少創意，其中一個高難度的「劈腿」動作更是出自他的點子。對此，屈中恆的解釋相當直接：「因為我覺得這種出場方式很好笑！」

「美女搭檔專業戶」朱德剛則飾演神秘老人，劇中有段關於初戀的回憶戲，需要展現深情的一面，與他搭配演出的是一位年輕亮眼的演員。屈中恆每次排到這段都忍不住笑場，笑說：「看到朱老師突然深情款款，我都會想說，你不是應該去做蔥油餅嗎？談什麼戀愛啦！」

首次演出舞台劇的涂善存說，舞台劇不像影視作品能夠重來，每一場演出都是現場直播，考驗演員的臨場反應與默契。排練過程中曾發生對戲演員因換裝來不及上場的突發狀況，還讓他瞬間腦袋一片空白。

導演謝念祖事後笑著提醒他：「如果在舞台上真的不知道怎麼辦，就看向兩位前輩，他們會救你。」

導演表說，雖然作品談論病痛、失落與死亡，但最終仍選擇以喜劇形式呈現，因此他相信人生裡歡樂的事情，應該要比悲傷更多一點。

《在哪裡跌倒，就在哪裡躺一下》6日在台北水源劇場首演，並於未來三週的週六、週日持續演出至6月21日。購票詳情請洽 OPENTIX兩廳院文化生活。

#全民大劇團 #在哪裡跌倒就在哪裡躺一下 #屈中恆 #朱德剛 #涂善存

08/06/2026

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文／ #陳潔堯（音樂文字工作者）

📌英國皇家歌劇院推「SHIFT」藝術節探索AI歌劇實驗

面對人工智慧對藝文界帶來的集體焦慮，一向被視為精緻藝術傳統殿堂的英國皇家歌劇院（Royal Opera House）選擇張開雙臂。該劇院近期推出為期四天的「RBO/SHIFT」藝術節（圖片取自英國皇家歌劇院官網），邀請多位跨領域藝術家、聲樂家與編導，共同探索機器學習與古典歌劇相遇的種種可能。

藝術節焦點之一為聲樂家奧奇特洛尼（Patricia Auchterlonie）與節奏口技藝術家哈里‧葉夫（Harry Yeff）的合作。兩人在去年的劇目《最後的日子》（Last Days）結緣，這次則將奧奇特洛尼的歌聲錄音輸入AI模型，生成虛擬人聲。這項嘗試讓聲樂家從中發現自己過去未曾發出的怪異啼鳴，進而激發出新型態的發聲技巧。此外，跨領域藝術家丁金斯（Stephanie Dinkins）也參與其中，探討AI在發展過程中排斥有色人種社群聲音的盲點；作曲家普雷斯蒂尼（Paola Prestini）則透過AI協助非言語演員參與現場歌劇演出。

策展人兼劇院副導演內蒂亞‧瓊斯（Netia Jones）坦言，藝文界內部對此科技存在極大恐慌，甚至有同行痛批AI為惡魔。然而她主張，面對科技巨擘的財富壟斷，藝術家與其選擇全面抵制，不如扮演「顛覆者」，主動介入並引導科技走向。瓊斯更提出一項挑戰傳統的觀點，她指出「版權與所有權」是18世紀後才出現的年輕觀念，哲學上她更傾向藝術在創作後應由大眾共享。她認為AI龐大的資料庫運算已讓傳統版權百分比失去意義，業界必須尋找新的生存範式。

這項烏托邦式的版權宣告在業界引發正反兩極的論辯。反對者認為，瓊斯的理想忽略了基層藝術家與矽谷科技巨擘之間極端不對等的權力關係，在實務上面臨極大風險。不過奧奇特洛尼強調，AI終究只是在模仿，無法取代藝術家在劇場空間裡流動的能量，以及獨屬於人類樂器演奏與歌唱的瘋狂投入。

📌前巴黎歌劇院芭蕾學校校長貝西逝世

前巴黎歌劇院芭蕾學校校長貝西（Claude Bessy）於2026年4月23日逝世，享壽93歲。貝西掌校長達30年，以嚴格的訓練體系與體制改革聞名，是重塑20世紀後半葉法國芭蕾教育標準與方向的轉折點人物。

貝西對法國芭蕾教育的核心貢獻在於推動系統化現代改革。她打破傳統純技術訓練的局限，將課程改為半日制，規定上午進行舞蹈術科訓練、下午修習一般學科，將舞蹈教育與通識教育深度結合。此外，她也在古典芭蕾課程之外，引進性格舞、民間舞、啞劇與爵士舞，大幅擴展舞者的舞台語彙與跨風格適應力，使學生能順暢切換於古典製作與當代編舞作品之間。

在她任內，該校成功培養出多位引領國際舞壇的頂尖舞者，包括帕特里克・杜邦（Patrick Dupond）、西薇・姬蘭（Sylvie Guillem）、皮耶特拉加拉（Marie-Claude Pietragalla）與伊萊爾（Laurent Hilaire），深刻改變了法國芭蕾的人才培育生態。

然而，貝西高標準的鐵腕紀律也留下了具兩面性的遺產。2002年一份針對校園環境的報告，引發外界對高壓訓練、學生尊嚴與心理壓力管理的激烈爭論。這使她被視為從舊式權威訓練邁向現代教育的中介者，其嚴格作風在大幅提升專業水準的同時，也承受了與當代教育倫理不完全一致的歷史檢視。

📌美國國家交響樂團面臨生存危機

美國國家交響樂團（National Symphony Orchestra, NSO）正面臨成立95年來的生存危機。知名另類搖滾鋼琴家Ben Folds於2026年6月初發表公開信，警告美國唯一的國家級交響樂團可能無法在甘迺迪表演藝術中心（Kennedy Center）的政治風暴中存續。

NSO自1986年起進駐華盛頓特區甘迺迪中心，擁有96位全職樂手，平均年薪約186,000美元。2025年2月，總統川普撤換甘迺迪中心董事會並自我任命為主席，隨後於2026年2月宣布該中心將於7月4日起關閉兩年整修。NSO音樂總監諾謝達（Gianandrea Noseda）於2025年3月續約至2031年團慶百年，但樂團至今尚未公布2026至2027樂季節目安排，此為極不尋常的現象。

NSO的慈善基金被捲入甘迺迪中心的法律與財務糾紛，無法自由運用。2026年5月29日，聯邦法官Christopher Cooper裁定川普無權更改甘迺迪中心名稱，並暫停原定兩年閉館，但甘迺迪中心已經表示將上訴。Ben Folds自2017年起擔任NSO首位藝術顧問，於2025年2月公開辭職抗議，他呼籲公眾聯繫國會議員，要求為聯邦藝術機構設立防護措施。

目前NSO團員仍保持政治中立，持續在現有條件下演出。諾謝達表示：「我無法讓每個人滿意。」樂團的命運仍取決於上訴結果與政治判斷。

📌裴淳華演後提醒滑手機觀眾　表演現場禮儀再受討論

英國女星裴淳華（Rosamund Pike）近日在倫敦西區舞台劇《Inter Alia》演後，公開提醒一名在演出關鍵段落傳訊息的觀眾，直言演出現場沒有理由使用手機，若有緊急狀況可離開劇場處理。她的反應迅速引發外界討論，也再度把表演現場的觀演禮儀推回聚光燈下。

事實上，從音樂廳到劇場，表演者公開制止觀眾使用手機的案例並不少見。指揮慕提（Riccardo Muti）今年在芝加哥的演出場合也曾因觀眾干擾而當場發火；鋼琴家齊瑪曼（Krystian Zimerman）則曾因觀眾錄影而中斷演出，公開批評手機錄影對音樂家與現場體驗的傷害。劇場界方面，百老匯的派蒂·路朋（Patti LuPone）、休‧傑克曼（Hugh Jackman）與丹尼爾‧克雷格（Daniel Craig）也都曾在演出中遇到觀眾手機響鈴或滑手機，並以不同方式當場回應。

這些事件顯示，手機早已不只是觀眾席上的小動作，而是現場表演持續面對的核心干擾之一。對演出者而言，問題不僅在於聲響或亮光，更在於那一瞬間所切斷的專注與共感；也因此，從音樂廳到劇場，對手機失禮行為的界線，至今仍在被一再重申。

06/06/2026

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📌巴佛傑的精密聲學
解剖拉威爾的理性與管弦樂思維

文／ #陳效真（音樂文字工作者）

提到法國鋼琴學派，許多人腦中會立刻浮現如珍珠般圓潤的觸鍵與清脆晶瑩的音色：每隻手指都必須有極佳的控制力，才能做到顆粒分明不含糊，音色輕巧透明。然而，巴佛傑（Jean-Efflam Bavouzet）並不屬於這種典型印象，原因得從他的老師桑康（Pierre Sancan）說起。

桑康把俄羅斯學派運用手臂重量的觀念帶進法國鋼琴教育，要求學生不能只依靠指尖，而是運用從背部到手指的整體力量。更重要的是，他把管弦樂思維引進鋼琴課堂，經常直接告訴巴佛傑：「這裡要拉出大提琴般的線條」，或是「像長笛一樣，然後在這裡加上一聲鈸」。這種把鋼琴對比為管弦樂的訓練，正是開啟詮釋拉威爾鋼琴作品大門的鑰匙。

📌以管弦樂的耳朵思考鋼琴

有趣的是，拉威爾本人的演奏風格不以炫技見長，卻在鍵盤上創造出前所未聞的聲響。《夜的加斯巴》的〈水妖〉，以和弦與單音的快速交替模擬波光閃爍；《鏡》的〈汪洋扁舟〉則透過極弱音與快速音型描繪海浪起伏。拉威爾之所以能寫出這些聲響，正是因為他以管弦樂的耳朵思考鋼琴。後來拉威爾把大量鋼琴作品改編成管弦樂版本，這也說明創作的時候，他腦中聽見的，確實是整個樂團的效果。因此對巴佛傑而言，演奏拉威爾不只是克服技巧，還要透過管弦樂般的思維，重現作曲家精密設計的宏大音色層次。

📌服從樂譜與極富表情的悖論

拉威爾對樂譜細節近乎苛求。他反覆提醒演奏者：「只要彈寫下來的音符。」當鋼琴家維根斯坦（Paul Wittgenstein）首演《左手鋼琴協奏曲》時，曾試圖修改樂譜，並主張「演奏者不該是奴隸」。拉威爾則毫不退讓地回答：「演奏者就是奴隸。」

然而，這句話背後又隱藏矛盾之處。拉威爾一方面要求演奏者絕對服從，另一方面卻強迫演奏者自行揣摩。例如：他經常在譜面上標示「極富表情」（très expressif），但是從不說明究竟要表達什麼，演奏者只能自行尋找答案。於是，拉威爾音樂最困難的地方往往不在技巧，而在於如何在克制與外放、理性與詩意之間取得平衡。

📌30年的結構謎題

巴佛傑花了很長時間才真正理解這一點。他演奏《G大調鋼琴協奏曲》已經上百次，但是一開始他根本不明白拉威爾所說，譜寫優美的第二樂章對他而言「非常困難」，並且採用「挑戰」（challenging）這個詞來形容是什麼意思。直到歷經30年歲月，巴佛傑才終於解開這個謎題。不過，巴佛傑刻意賣了個關子，堅拒透露這個挑戰的具體細節，而是把秘密保留在琴音中（https://reurl.cc/6GmXL5🎼），要聽眾自己去尋找答案。不過，若從巴佛傑的美學信仰來剖析，我們不難聽出這個挑戰的關鍵：拉威爾在該樂章追求的並非華麗效果，而是極端的結構感：這段看似單純的旋律，實則是逐小節精密推算、模仿莫札特《單簧管五重奏》慢板樂章的產物。當音樂被剝離到沒有任何多餘音符時，演奏者一絲一毫的主觀氾濫，都會瞬間破壞這份令人驚嘆的精密平衡。

📌從史坦威到客製化Yamaha

理解這一點之後，再回頭比較巴佛傑兩次錄製的拉威爾鋼琴獨奏全集，就會發現有趣的差異。2003年，巴佛傑使用1901年的史坦威鋼琴錄音（https://reurl.cc/ovMm0V🎼）；2025年則改用Yamaha CFX演奏型三角鋼琴（hhttps://reurl.cc/8eaYjo🎼）。許多樂評認為他的詮釋觀點出現明顯變化，但是巴佛傑本人並不認同。他認為核心觀念完全沒變，差異是來自樂器條件，以及20多年來累積的演出經驗。

事情其實並不那麼單純。有一年Yamaha CFX部門邀請巴佛傑評鑑在場的5、6架CFX演奏型三角鋼琴時，巴佛傑直接向研發團隊提出自己理想中的聲音與性能需求，並提出具體的改進方向。換句話說，這架鋼琴鮮明的高音與出色的延音表現，本身就是從巴佛傑的審美角度出發。

因此，2025年的錄音與其說是時間自然積累沉澱的結果，不如說是他主動把聲音的清晰度推向毫無雜質的極致。巴佛傑也十分認同顧爾德（Glenn Gould）的觀點，認為錄音不只是保存演出，更是一種創作方式。新版中那種近乎沒有破綻的清晰與精準，不只得自舞台經驗，也來自錄音室反覆檢驗與修正的過程。在這種放大鏡式的審視下，音樂不再依賴現場的感性渲染，而是展現出如鐘錶般精密的結構之美。

📌英美與法國樂評的兩極對峙

這正是新錄音引發兩極評價的原因。《留聲機》雜誌高度讚賞Yamaha鋼琴那種乾淨、線條分明的穿透力，認為新版錄音剔除多餘的感傷，讓音樂像幾何圖形般精準、清晰。法國《音叉》雜誌則站在完全相反的傳統立場，認為新版的高音過於尖銳，低音缺乏足夠的深沉度，整體顯得冷峻、單調且音色乾燥（sec）。必須釐清的是，這種「乾燥」並非樂器物理上缺乏延音。事實上，巴佛傑極度讚賞這架 Yamaha CFX 擁有「令人驚嘆的延音」，但演奏家為了追求絕對的精準與透明，刻意剝除了傳統印象派所仰賴的踏板迷霧與溫暖殘響。這種不妥協的聲學解剖，反而讓《鏡》失去了原本該有的夢幻與迷朦色彩。

有趣的是，這種被《音叉》批評的特質，恰恰其實與拉威爾本人欣賞的演奏風格十分接近。拉威爾生前極為推崇卡薩德修（Robert Casadesus）那種嚴格遵循樂譜、不刻意流露私人情感的演奏方式。換句話說，巴佛傑並非悖離拉威爾，而是把拉威爾追求的客觀與精準推向更極端的程度。

📌難以壓抑的藝術直覺

不過，巴佛傑也不是毫無保留的「忠於原譜」。在《高雅而憂傷的圓舞曲》第七首（https://reurl.cc/ep2QDR🎼）中，巴佛傑加入一個原譜沒有標示的右手震音（tremolo）。英國樂評認為這個處理缺乏說服力，《音叉》更直接批評它顯得突兀而不協調。這個細節正好證明一個事實：即使是反覆強調忠於樂譜的鋼琴家，也很難完全壓抑自己的藝術直覺。法國樂評便敏銳地觀察到，巴佛傑在《圓舞曲》（https://reurl.cc/8eaYNo🎼）中大膽加入取決於個人品味的滑音（glissandos）。為了在鍵盤上還原極致的「管弦樂交響色彩」，巴佛傑也承認自己加入補充聲部，甚至在樂曲結尾處刻意偏離原譜的指示。這證明他對交響聲響的追求與個人詮釋的本能，最終還是凌駕了對樂譜的絕對忠實。

📌魔法花園裡的古典主義

一般習慣把德布西和拉威爾並列為印象派音樂的兩大代表，但是在巴佛傑眼中，兩人的本質如同天南地北：德布西是打破既有架構的革命者；拉威爾則是堅定的古典主義者。他從未顛覆既有的音樂語法，而是在嚴謹的古典架構上加入豐富的和聲色彩與鮮明旋律。

正因為如此，巴佛傑經常把拉威爾與莫札特相提並論，因為兩人都追求比例、平衡與形式的完美。他把拉威爾的音樂形容為「魔法花園」（fairy garden）：所有奇幻色彩、童年記憶與神秘想像，都被安放在精密計算的結構之中。《夜的加斯巴》那些如鬼魅般暴烈的幻象，反而必須依靠高度理性的控制，才不會流於失控的噪音。

從老史坦威的醇厚到Yamaha CFX的銳利，巴佛傑改變的或許只是彈奏的工具，而非他對拉威爾的根本信念。然而這20年的發展歷程也讓人看得更清楚：巴佛傑不只是忠實執行作曲家要求的人，同時也是積極塑造聲音的人。在追求客觀與精準的道路上，他從來不是被動服從的奴隸，而是一位始終堅持以自己方式理解拉威爾的人。

05/06/2026

📣📣AQ視角📣📣
📌台灣股市全球第五，文化發展呢？
表演藝術家，必須被政府尊敬！

胡巧玲、賴廷恒/專題報導

「台灣股市全球第五，但是，文化發展呢？」當「即將成真火舞團」夫妻檔楊立微與賴寬誌日前登上《英國達人秀》總決賽舞台（圖片提供：Coming True Fire Group 即將成真火舞團），楊立微在表演中高喊「來自台灣」，獲得全場觀眾熱烈喝采。雖最終未能獲得名次，但贏得評審一致肯定。眾人紛傳台灣表演藝術再次被國際看見之際，也引發當代傳奇劇場行政總監林秀偉在臉書發出感慨「表演藝術家，必須被政府尊敬！」並期盼獲利企業每年撥款贊助藝文團隊，讓科技與人文均𢖍發展、端正社會風氣。幾天下來，按讚數已然超過八千次，也引發各界的熱烈迴響！

📌林秀偉：劇團有苦難言，文化政策全國均需鬆綁！

「據說，比賽的旅費是自已負擔。」林秀偉深表心疼之餘，也想起與夫婿吳興國長年征戰世界舞台的歷程，尤其疫情後各國文化預算刪減，戰爭更使旅運費倍長，若未獲贊助，團隊需四處募款，才能為台灣爭光。話鋒一轉，林秀偉也語重心長替表藝界請命：「往往，政府補助三分之一或十分之一，表演團隊卻要對價支出百分百，所以，演出越多，可能虧損越大！」

不僅如此，林秀偉也再三強調，傳統藝術人才稀缺，「養成20年，易受傷，放棄也很快」，政府雖提供補助，但整體而言，審核細節似有變多、變緊、自由度減低的趨勢；期盼無論經費、內容、場地等，均需有些彈性、自由度得以及時調整，「劇團有苦難言，文化政策全國都需要鬆綁！」眼見台灣股市飆上全球第五，林秀偉期許獲利企業能每年撥款贊助藝文團隊，讓科技與人文均𢖍發展，「𢹂手端正目前令人憂心的社會風氣」。

📌于國華：企業贊助藝文與社會共同成長、承擔未來

台北藝術大學研發長于國華除在臉書轉貼，同時也指出許多企業設有公益基金會或經常透過不同方式以收益投入社會公益，這些努力均值得肯定。「林秀偉老師指出的問題，是台灣正面臨財富分配不均的現象。部分產業因全球市場與科技發展而獲得快速成長，企業獲利增加、股價上升，但這樣的經濟成果未必平均反映在所有人的生活條件改善上，甚至可能集中在少數人的財富累積之中。」

于國華除肯定成功的企業對國家經濟發展貢獻良多之餘，也進一步指出，企業能在安定的社會中經營、獲得高素養的勞動力支持，均屬社會整體的努力成果。然而一些難以透過市場機制獲得資源的公共領域，在景氣循環過程中反而可能受到更大影響。企業將經營利潤投入文化建設、藝術發展、教育培力及地方創生等長期性的社會投資，不僅能促進社會整體福祉，也有助於培養一個更具創造力、凝聚力與永續發展能力的臺灣。「這樣的社會參與，不只是企業節稅的公益捐助，更是一種與社會共同成長、共同承擔未來的責任承擔。」

📌林佳鋒：台灣不缺人才，欠缺臨門一腳的支持！

「如果台灣擁有全世界最優秀的科技產業之一，那我們有沒有可能，也成為最尊重藝術家的國家之一？」這些年來，表演藝術聯盟理事長林佳鋒經常以此自問，但他始終深信，企業支持表演藝術，不是贊助，而是一種投資──投資一個社會的創造力、下一代的想像力，以及投資一個國家的文化高度。期盼未來更多企業願將支持藝術視為企業文化的一部分，願意長期陪伴劇團、舞團、馬戲團一起成長，台灣必然會誕生更多站上世界舞台的藝術家。「因為人才，我們從來不缺。缺的常常只是那臨門一腳的支持。」

「大家只是希望能夠安心創作、安心生活，能夠把時間留給練習與創作，而不是把大部分的力氣花在募款、生存和填寫各種表格上。」面對眼下台灣表演藝術工作者共同的命運，林佳鋒表示，一路看著許多優秀的創作者、舞者、特技演員、馬戲藝術家，把青春奉獻給舞台：他們雖擁有世界級的能力，卻不一定擁有世界級的資源。只盼有朝一日，台灣藝術家為國爭光時，不必再為旅費煩惱，不必再為生存擔憂，且只需專心做好一件事：「把最好的自己，帶到世界面前。」

#台灣文化發展 #即將成真火舞團

05/06/2026

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窮到演不下去，去當邪教教主有前途嗎？｜ #嚎哮排演《別叫我大師》

如果演員失業了，他轉行做什麼最快？
答案是：
創立一個宗教✡️

#蕭東意 與 #黃建豪 分享
故事起點來自近年越來越多的新興宗教現象
身為演員的他們發現：表演跟宗教，好像真的有點像
你必須相信某件事情，然後執行到底

風格大轉變‼️
這次依然有嚎哮排演招牌的黑色幽默
但議題跟風格上沉重、黑暗不少

這次《 #別叫我大師》也首度大量結合影像敘事
影像不只是裝飾，而是故事的重要推手🫷

東意與建豪特別強調：
「如果你看過試演，那你更一定要進來看正式版」
那些曾經看不懂的地方，這次都會獲得答案~

影片這裡看▶️ https://youtu.be/RAxIpfAlw5E

嚎哮排演
🔺黑色喜劇《別叫我大師》見證信仰 Yes, and!🔺
📌2026/6/19 (五) - 2026/6/21 (日)
📌臺灣戲曲中心大表演廳
購票去👉 https://reurl.cc/grALRL
🏆此作品為第六屆 #表演藝術金創獎 銀獎作品~

如果演員失業了，他轉行做什麼最快？答案是：創立一個宗教✡️ #蕭東意 與 #黃建豪 分享故事起點來自近年越來越多的新興宗教現象...

05/06/2026

📣📣AQ帶你看📣📣
📌從《三便士歌劇》到當代　臺德論壇召喚重思布萊希特精神
文/胡巧玲

20世紀最具影響力的德國劇作家貝托特・布萊希特（Bertolt Brecht），歷經世界大戰、法西斯主義崛起與資本主義擴張，其作品長期關注權力、階級、戰爭與社會不公。時至21世紀，這些議題依舊影響世界，適逢布萊希特逝世70週年，臺北表演藝術中心日前與歌德學院（台北）德國文化中心在北藝中心共同舉辦第二屆「臺德表演藝術國際論壇」，以「21世紀的布萊希特」為題，邀集臺德劇場工作者與學者專家，共同探討布萊希特思想與創作如何持續被當代轉譯、回應與再創造。

臺北表演藝術中心董事長王文儀在論壇中說，誕生近百年的《三便士歌劇》至今依然充滿穿透力，在布萊希特逝世70週年的此刻，當世界局勢劇烈變動，資本、權力、階級、人性問題雖換上新的形式，卻仍深刻存在。透過重新閱讀與理解布萊希特的經典作品，再次看見其對劇場實踐的深遠影響。

王文儀特別提到，臺灣亦曾以歌仔戲形式重新詮釋《三便士歌劇》，「也許1935年布萊希特與梅蘭芳擦身而過時，從未想像過百年之後，東西方文化會以如此奇妙的方式彼此交會。」

歌德學院（台北）德國文化中心院長余德莎（Theresa Hümmer）則表示，這樣的交流能讓文化傳承持續流動、彼此滋養。真正的對話，是願意在觀點差異中產生碰撞，即使伴隨著冒犯與不安，只要能促成思考與辯證，這正是布萊希特所期待的劇場精神。

📌歷史重現 當代現實的召喚

本次論壇特別邀請德國柏林藝術學院布萊希特檔案館館長諾亞．威廉森（Noah Willumsen）與奧格斯堡布萊希特藝術節藝術總監薩哈爾．拉希米（Sahar Rahimi）發表專題演說。兩位專家一致表示，布萊希特從不只是被封存於歷史中的劇作家，而是持續影響當代、並不斷被當代重新召喚的思想方式。

而面對如今烽火不斷的世界，拉希米也感性談及仍身處伊朗的母親。當奧格斯堡正自由地慶祝藝術節時，世界上許多角落的人們卻仍飽受戰爭摧殘，她由此感慨：「布萊希特對政治、權力與社會現實的批判，從未真正遠離當代。」

📌在臺 看布萊希特如何被轉譯

論壇也聚焦臺灣劇場如何轉譯布萊希特作品，曾於2012年將《三便士歌劇》改編為新編歌仔戲《Mackie踹共沒？》的一心戲劇團戲劇顧問張啟豐，以及2020年以布萊希特《伽利略傳》為核心發起「伽利略計畫」的劇場工作者王瑋廉，兩人受邀分享創作經驗。

張啟豐指出，《Mackie踹共沒？》中「壞人沒有遭報應」的結局安排，刻意偏離了傳統戲曲的定式，其中一曲〈什麼時代〉更取材自《三便士歌劇》的經典名曲〈大刀麥基〉（Mack the Knife），展現布萊希特在當代臺灣戲曲語境中，被重新理解與詮釋。

王瑋廉認為，布萊希特的批判並非出於冷酷，而是建立在深刻的同情之上，「布萊希特始終以創作者的誠實不斷批判自己。」這樣的精神也與東方哲思形成深刻對話。當臺灣當代劇場以實踐持續回應「排練場不是在戲劇裡，而是在生活裡」，延續了布萊希特「劇場不是讓人逃避現實的夢境，而是改變社會的實驗室」的精神，使其思想在今日依然具有強烈的當代性與穿透力。

布萊希特曾提出著名的「史詩劇場」與「疏離效果」理論，主張觀眾不應只是沉浸於劇情，而應保持批判思考，透過劇場反思社會現實。他認為劇場不只是娛樂，更應成為促進思辨與社會改變的場所。其代表作品包括《三便士歌劇》、《勇氣媽媽》、《伽利略》與《高加索灰闌記》等，即使已逝世近70年，這些劇本每隔幾年就會被重新搬上舞台，由於劇本具備高度「寓言性」，因此受到不少跨文化的方式被改編與轉譯。
#臺北表演藝術中心 #台德論壇 #布萊希特 #三便士歌劇 #伽利略

04/06/2026

📣📣AQ帶你看📣📣
📌Play It Solid！兩廳院夏日爵士8躍登場
國際大師齊聚臺北

文 / 廖威誌

全臺爵士樂迷的年度盛事「兩廳院夏日爵士」，即將於 8 月 7 日至 8 月 29 日再度登場，今年策展主題定為「Play It Solid！」推出六檔橫跨國際與在地的精彩節目。

「Solid」一詞看似簡單，但在 1938 年非裔美國爵士樂手凱伯．凱洛威（Cab Calloway）撰寫的黑人俚語詞典《Hepster's Dictionary》中，它代表的是「出色的、極好的」。當年的樂迷在臺下被樂手無懈可擊的技巧震撼時，總會激動大喊：「That's solid!」今年夏日爵士試圖用「硬底子」的音樂實力，喚醒樂迷在仲夏夜的熱血靈魂。

💢國際大師聚焦：浴火鳳凰、全方位鼓王

觀察今年的國際陣容，主辦單位邀來多位當代樂壇的指標性人物，且話題性十足。

首度或再度來臺的陣容中，最受矚目的莫過於薩克斯風大師雷琪夏．班傑明（Lakecia Benjamin）。融合現代爵士、放克與 R&B，樂風極具爆發力。2021 年他曾歷經一場嚴重車禍，卻以驚人意志迅速重返舞臺，並在今年憑藉單曲〈Noble Rise〉再度入圍葛萊美獎。雷琪夏的音樂不只是聽覺享受，更帶有浴火鳳凰般的生命韌性。

此外，當代融合爵士樂壇的傳奇「全方位鼓王」彼得．厄斯金（Peter Erskine），這次將率領其葛萊美提名專輯《Dr. Um》的黃金班底重磅登臺。更令樂迷振奮的是，他特別攜手多年老戰友——顫音鐵琴大師邁克．曼尼利（Mike Mainieri）同台演出，這對傳奇組合的現場即興是今年不容錯過的「神級現場」。

而在聲樂方面，則有 2024 年甫獲葛萊美「最佳爵士演唱專輯獎」的妮可．茱萊提斯（Nicole Zuraitis）。兼具歌手與鋼琴家雙重身分的他，音樂中既有古典歌劇的厚實底蘊，帶有流行民謠的親和力，展現當代爵士演唱的多元面貌。

💢臺灣爵士當代特色　親子也能共享音樂盛宴

除了國際巨星，臺灣本土的爵士能量同樣是今年亮點。成軍十五週年的「兩廳院夏日爵士節慶樂團」，在音樂總監麥可．摩斯曼（Michael Mossman）帶領下迎來編制大升級，首度加入絃樂，重新演繹查理．帕克（Charlie Parker）等大師經典，並發表金曲鋼琴家許郁瑛與旅美作曲家楊又臻的全新創作，展現臺灣爵士樂的創作厚度。

此外今年也打破爵士樂「成人限定」的刻板印象。由拉丁爵士大師阿圖羅．奧法里爾（Arturo O'Farrill）與臺灣小號手魏廣晧聯手的《節奏千層麵》，策劃四場參與式兒童音樂會，鼓勵小朋友帶樂器入場互動，讓「自由的靈魂從小放飛」。

至於每年吸引萬人朝聖的「夏日爵士戶外派對」，於 8 月 15 日在藝文廣場登場，由彭郁雯五重奏、臺灣拉丁重擊與臺語金曲歌后李竺芯輪番上陣，將客家山歌、熱力拉丁與當代臺語創作融入爵士節奏，免費開放給所有市民，打造最具臺灣在地風情與跨界能量的夏夜音樂風景。

#兩廳院夏日爵士 #兩廳院 #爵士樂 #音樂

（圖片由國家兩廳院提供，攝影Gelée Lai）

02/06/2026

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📌朱宗慶打擊樂團打造新秀舞台 年齡不到24歲 5位青年擊樂家獨挑大樑

文/胡巧玲

朱宗慶打擊樂團致力於人才培育與傳承，為讓年輕世代擁有獨當一面的舞台機會，由年僅21歲至24歲的5位擊樂新秀，將在6月12日臺北誠品表演廳舉辦首次售票音樂會《5IVE:RE/BEAT》。音樂會精選8首專屬年輕世代的重奏作品，展現新生代擊樂家的熱情與舞台魅力。樂團在2日舉辦記者會，演出成員之一劉昕樺表示，十分感謝朱宗慶老師給予年輕人展現自我的機會，這場音樂會不只是還原我們各自的本色，更讓五種不同的音色交織融合，敲擊出屬於我們共同的夢想。

《5IVE:RE/BEAT》由朱宗慶打擊樂團2團員羅曼嘉、葉立偉、陳咸任、劉昕樺及蘇威銓共同演出。記者會上創辦人朱宗慶說，40多年來始終堅持為年輕人創造舞台與機會，他深信「唯有持續不間斷地給予機會，才能累積出真正的力量，這也是藝術傳承最重要的精神。

他表示，這群年輕團員不僅在近期TIPC臺灣國際打擊樂節中肩負台前幕後的重要工作，同時仍需兼顧學業，為了此次演出更是投入大量時間排練，常常練習到深夜。

他打趣說：「明明我年輕的時候也練的很辛苦，但可能是我年紀大了，看到他們，都讓我常常不得不和他們說，不要太累。」言談間流露對年輕世代的關心與期許。

今年1月接任朱宗慶打擊樂團團長盧煥韋也表示，看到這群年輕團員逐漸能夠獨當一面，感到十分欣慰與驕傲，他們代表著樂團長年培育人才的成果與傳統，希望大家一起為他們加油。

擊樂新秀之一的葉立偉則笑說：「能以擊樂家的身分透過音樂與觀眾交流，是一件非常感動的事，為了準備這場演出，團員們經常排練至深夜，甚至累到在夢裡都夢見團長因為音樂會準備不周而破口大罵，到現在還分不清楚究竟是夢境還是現實。」幽默發言也逗樂現場媒體。

本次音樂會另一大亮點，則是將演出作曲家湯摩．亞里（Tomer Yariv）創作的《印巴圖塔的旅程》。作曲家特別為此次演出提供五重奏版本樂譜，觀眾將透過多元擊樂編制的重奏形式，以及風格豐富的曲目安排，感受五位新秀蓄勢待發的能量與默契，共同見證年輕世代追逐夢想、勇敢發聲的無限可能。

2026擊樂新秀音樂會《5IVE：RE/BEAT為伍的節拍》將於6月12日（五）晚間7點半於台北誠品表演廳演出。擊樂之友、系統學員與中國信託、玉山銀行、兆豐銀行信用卡卡友購票另有優惠，詳情請洽OPENTIX。

#朱宗慶打擊樂團

02/06/2026

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📌敢搭這台全黑抗爭巴士嗎？
沉浸式《憤怒旅行卡啦帶》盛夏啟航

文 / 廖威誌

你有勇氣參加一場，隨時可能被「趕下車」的表演嗎？

張碩尹工作室全新沉浸式作品《憤怒旅行卡啦帶》（A Song of Angry Men），將於今年6月至8月在臺北表演藝術中心登場。不同於傳統黑盒子劇場，這次演出直接搬上行駛中的全黑巴士，觀眾不只是看戲，而是被捲入一場關於抗爭、群體與選擇的社會實驗。

演出全長約90分鐘，觀眾將從北藝中心三號門外集合出發。當巴士啟動後，每位觀眾都會收到一支手機，在多頻道空間聲音系統的引導下，正式成為故事的一部分。你的每一次投票與選擇，都將即時改變故事走向，甚至影響其他人的命運。

💢一場可能失控的抗爭行動

《憤怒旅行卡啦帶》故事從一場大樓倒塌事件展開。長期遭遇政府與建商互踢皮球的居民們，最終組成自救會，搭上抗議巴士準備展開談判。

只是，車上的每個人都有不同立場。有人主張和平溝通，也有人認為必須採取更激烈的手段。隨著情緒逐漸升高，觀眾將被分配到不同群組，討論是否繼續抗爭、是否驅離特定乘客，甚至是否該揪出「叛徒」。

手機投票會即時改變劇情方向，而部分觀眾可能真的在演出途中被「趕下車」。當視覺逐漸退場，聲音、情緒與群體壓力則一步步放大，讓觀眾親自感受群體決策如何在情緒推動下逐漸失控。

💢從真實抗爭經驗發展而成

「選擇」一直是張碩尹工作室長期關注的核心。過去無論是曾獲2024 SXSW混合實境評審團特別獎的《Proof As If Proof Were Needed》，或互動電影《渦》等作品，都持續透過互動與遊戲形式，讓觀眾成為作品的一部分。

而《憤怒旅行卡啦帶》則把這件事推向更極端的狀態。作品靈感來自張碩尹大學時期參與抗爭的真實經驗。當時他曾遭警方以束帶控制行動，並被巴士載往偏遠地區。團隊進一步結合民主決策、群體心理與社會運動研究，將作品發展成一場「遊戲形式的社會實驗」。

當個體判斷逐漸讓渡給群體，多數決究竟代表正義，還是可能成為另一種壓迫？作品試圖讓觀眾親自進入這個模糊地帶。

💢打造「聲音版」沉浸式劇場

《憤怒旅行卡啦帶》集結劇場、影視與音樂劇領域創作者共同參與。由曾執導臺中國家歌劇院新版《糖果屋》的BALLBOSS擔任聲音導演；編劇林孟寰負責原創故事架構，再由蘇洋徵進行後續編寫與調整。

聲音演員陣容則包括古辛、黃建豪、蕭東意、楊宗昇、劉主平、許照慈、曾思瑜、鄭一慧、賴沅汰與謝孟庭等人，共同打造這場以「聲音」為核心的沉浸式劇場體驗。想體驗這場沉浸式實驗，今年暑假就是搭上這台全黑巴士的最好時機。

#憤怒旅行卡啦帶 #張碩尹工作室 #臺北表演藝術中心 #北藝中心

（圖片由張碩尹工作室提供，攝影：周嘉慧）

01/06/2026

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📌第24屆台新藝術獎揭曉TAI身體劇場奪年度大獎　踏出原住民美學
文/胡巧玲
台灣當代藝術如何跨越媒介、科技、身體與土地的疆界與觀眾對話？第24屆台新藝術獎得獎作品給出了深刻回應。頒獎典禮於5月30日舉行，本屆「年度大獎」由TAI身體劇場以《qaqay踩踏在水面上的聲音》獲得，獨得獎金新台幣150萬元；「表演藝術獎」則由身體氣象館《Oh！Baby 2025》拿下；「視覺藝術獎」由豪華朗機工《宇宙寫生—豪華朗機工個展》獲獎，兩獎項則各獲得獎金100萬元。三件作品不僅回應當代社會議題，也展現出台灣藝術創作跨越場域與形式的豐沛能量。

📌台灣文化包容眾聲喧嘩

台新銀行文化藝術基金會董事長鄭家鐘致詞時，特別引用甫獲2026年國際布克獎的台灣漫遊錄英文譯者金翊的話語指出，台灣文化「從來不是一個齊聲大合唱，而是眾聲喧嘩，在矛盾之中以不羈精神追求理想」。他表示，這也正是台新藝術獎長期以來的精神，在多元文化交會中尋求包容、反思與批判，並期待與台灣藝術家攜手邁向下一個25年。
決選團主席陳正熙則向所有藝術創作者致敬。他表示，入圍作品在充滿變動與不安的時代中展現出令人安定的力量，創作者透過跨越疆界、抵抗遺忘，重新賦予自由更深刻的意義，也帶給人們面對生命的勇氣。

📌TAI身體劇場 用歷史與土地交織

榮獲年度大獎的《qaqay踩踏在水面上的聲音》，從族語與身體性的關係出發，結合花蓮吉安菸廠的歷史空間記憶，將被遺忘的離散經驗重新編織為山林與土地的低語。決選團認為，作品透過身體、聲音、裝置與場域的交融，展現出台灣當代藝術跨越媒介與空間限制的創作能量。
評審指出，作品不僅呈現原住民族文化與自然歷史的深刻連結，也在科技與自然、個人與集體記憶之間建立對話，體現創作者對自我、土地與時代的深刻關照。

📌非典型身體發聲　身體氣象館展現生命韌性

獲頒表演藝術獎的《Oh！Baby 2025》，延續身體氣象館長期關注非典型身體美學與第六種官能藝術的創作脈絡。作品由導演姚立群攜手韓國身障表演藝術家姜聲國及台灣舞者彭珮瑄共同演出，從失語身體的失衡狀態出發，探索情慾、身體與主體建構的複雜關係。
決選團認為，作品將劇場轉化為生命經驗交鋒的現場，成功突破社會對正常身體的既定認知，在限制之中展現驚人的韌性與創造力，為當代身體政治提供深刻而動人的藝術詮釋。

📌科技與人文交會　豪華朗機工打造情動宇宙

獲得視覺藝術獎的《宇宙寫生—豪華朗機工個展》，完整呈現團隊15年來持續發展的跨域創作成果。決選團表示，展覽成功克服空間與技術限制，透過再製作品、原作與新作共15件作品彼此串聯，建構出一座不斷生成、擴張的宇宙劇場。

本屆評選團由9位提名觀察人組成，並由資深劇評人陳正熙擔任決選主席，評審成員包括藝評人陳泰松、策展人暨劇場構作周伶芝、台南應用科技大學美術系副教授鄭勝華，以及來自瑞典的Elisabeth Millqvist、日本SPAC靜岡舞台藝術中心戲劇顧問Yoshiji Yokoyama，以及即將出任深圳京東美術館執行館長的美籍策展人Robin Peckham。評審團歷經2025年一整年的展演觀察、評論書寫與密集討論，從百餘件參選作品中選出16組入圍名單，並經三天決選會議後，選出最終得主，總獎金達新台幣350萬元。完整得獎與入圍資訊，可至台新銀行文化藝術基金會官方網站查詢。